Ágora, papeles de arte gramático

V Certamen de Poesía y Relato Corto

2012-01-30T09:00:00.000+01:00

BASES

La Asociación Cultural “Las Palabras Escondidas” y el Ayuntamiento de Villa del Prado, convocan el quinto certamen de Poesía y Relato Corto “Las Palabras Escondidas”.
Los participantes deberán ajustarse a las siguientes bases:

B A S E S
1. - Podrán participar autores de cualquier edad y nacionalidad siempre que las obras estén escritas en lengua castellana, sean originales e inéditas y tengan una extensión de:
- Relato Corto: de 2 a 5 páginas
- Poesía: poema o conjunto de poemas, máximo 25 versos

2. - Las obras - una por autor y modalidad - se presentarán con libertad de tema, metro y rima, mecanografiadas por una sola cara a doble espacio en papel tamaño DIN-A4, debidamente grapada y paginada, por triplicado, adjuntando la obra en soporte informático en Word, con el nombre de la obra escrito en la carátula. Las obras se ajustarán al tipo de letra Times New-Roman o similar, tamaño 12.

3.- Los originales de las obras se enviarán dentro de un sobre en el que se indique:
V Certamen Literario de poesía y Relato “Las Palabras Escondidas”

Se enviarán por correo a:
Asociación Cultural “Las Palabras Escondidas”
c/Antonio Machado nº 6
28630 Villa del Prado
Madrid

4.- Dentro del sobre se adjuntará otro sobre cerrado en el que deberá figurar:
En el exterior: Título de la obra y el lema o seudónimo.
En el interior: Nombre y apellidos del autor, fotocopia DNI, dirección postal, teléfono, y email.

5.- Los trabajos se podrán enviar desde el 1 de febrero hasta el 1 de mayo de 2012 ambos inclusive.

6.- Los premios consistirán en:
Poesía.-
Primer premio.- 200 € y placa o escultura
Un accesit.- 100 € y diploma
Relato
Primer premio.- 200 € y placa o escultura
Un áccesit.- 100 € y diploma

7.- La recogida del premio otorga a la asociación cultural “Las Palabras Escondidas” el permiso para publicar o representar las obras premiadas en el/los medios que considere adecuados. Los originales no premiados podrán ser retirados por los autores en el plazo de un mes desde el fallo del certamen.

8.- El fallo del jurado se dará a conocer oportunamente; la fecha de entrega de premios será difundida a través de los medios de comunicación y mediante carta, e-mail o comunicación telefónica a los ganadores.

9. - El hecho de participar implica la aceptación de todas y cada una de las bases y su interpretación por el Jurado si fuera necesario. La no asistencia al acto de entrega de premios supone la pérdida del premio en metálico.

Diario político y literario de Fulgencio Martínez, donde se habla de lo divino y lo humano: 3

2012-01-28T08:00:00.004+01:00

FUNERALES DE FRAGA

Vaya por delante que yo le desearía a Manuel Fraga que estuviera en el infierno si no pensara que allí hay alguna gente buena. No comprendo ese celo provinciano de quienes están propagando la apoteosis de ese señor. Ya está en los altares, en la iglesia de Aledo, sin que el obispo de turno se sonroje. Santo Tomás, que todavía es autoridad para los católicos, según creo, incluyó la sorberbia entre los pecados capitales. Aquel gallego no fue menos soberbio que muchos réprobos, pero, por lo visto, ahora se trata de registrar su mansedumbre cristiana y su fe de vida democrática para ascenderlo a la escala de los bienaventurados. Muy barato se ha debido de poner el billete al Cielo; aunque, con esta crisis, más de una compañía aérea de bajo coste anda regalando viajes en primera clase al contratar un paquete turístico. Se ve ahí la mano ahorradora del gobierno de Rajoy, que ha hecho todo lo posible para que los funerales de Estado del ciudadano Fraga no agranden más la deuda de España: el mismo combinado de vuelo+hotel para tanto ministro asistente al acto, sólo ha supuesto un módico gasto adicional. Subir los impuestos no da para mucha fanfarria, ni está el país para cantar por alegrías, menos aun, en latín, ha avisado el ministro de Hacienda.

Más simpático es el jaraneo de los señores políticos parlamentarios, que casi en bloque han llorando la pérdida de don Manuel. Se ha ido todo un carácter, todo un hombre: algunos todavía miran para atrás con miedo, no vaya a ser que les caiga un grito recio si ponen una coma torcida en el obituario glorioso del ministro de Franco, y eterno aspirante a presidente de gobierno del régimen que fuera.

Los españoles decentes no estamos en paz mientras sigan en la cuneta abuelos y padres que defendieron la República, aquel régimen legítimo denostado por ese gran Difunto y sus conmilitones ideológicos. Los políticos de izquierdas, al menos, tendrían que secarse las lágrimas y poner de su parte para que descansen en paz los restos de los asesinados por Franco: ¡déjense de gaitas (ahora hablo en serio, señor, y bien alto, como don Manuel) y cumplan su deber de enterrar a los muertos, cristianamente o no!

Fulgencio Martínez

El artículo de Fulgencio, publicado en La Opinión de Murcia, 23 de enero de 2012

Asesinatos profilácticos

2012-01-27T09:00:00.000+01:00

VV.AA.
Asesinatos profilácticos
Ediciones Irreverentes,
Madrid, octubre de 2011

Asesinatos profilácticos es una de las apuestas que Ediciones Irreverentes presentaron al mundo editorial para este año recién comenzado, y tras leerla, estoy convencido de que es todo un acierto por parte de la pequeña editorial que dirige Miguel Ángel de Rus.

Una antología que contiene una brevísima joya literaria como es “Instrumento de justicia”, de Kalton Harold Bruhl, y casi una obra maestra del suspense como es “Bruno”, con un final tan inopinado y sorprendente que hará las delicias de cualquier lector al que le guste la novela negra, aderezada con ese fino humor que caracteriza al murciano Jerónimo Tristante, autor del citado relato.

Pero no únicamente ellos. Ya Santiago García Tirado, editor literario de esta antología, nos recuerda en el prólogo que “todas las sociedades han sentido una fascinación por la sangre apenas disimulada”, y aquí está bastante disimulada, con hermosos asesinatos, crímenes que logran recuperar el equilibrio del mundo, como podemos leer en la contraportada, todo un homenaje a la mejor narrativa negra con toques de escogidos autores y autoras como si de un homenaje a los mejores cocineros se tratase.

Veintiocho formas de asesinar, alguna vez, tan incruento, como en “Veinte años, un lago, un recuerdo”, de Miguel Ángel de Rus, o tan mortífero y preciso como los de “El cirujano”, de Guillermo Orsi. Veintiocho, sí, aunque el autor del prólogo quiera mantener un particular enigma cuando nos habla de estos “26 placeres inocentes, pese a su espantoso título”.

Yo he pecado con ellos, y volveré a hacerlo.

Francisco Javier Illán Vivas

Rubén Castillo en la Biblioteca de Torre Pacheco presenta novedades literarias

2012-01-26T18:00:00.001+01:00

Pesentará sus novelas "Las hogueras fosfóricas" (Baladí) y "El globo de Hitler" (Isla del Náufrago).

Será en la Biblioteca de Torre Pacheco, el jueves 26 de enero, a partir de las 20 horas.

Más información AQUÍ.

Miscelánea, exposición de Blas Estal en el recuerdo

2012-01-26T09:00:00.002+01:00

Casa de cultura del Puerto de Sagunto, se inaugura una exposición de la obra de Blas Estal, el 2 de febrero de 2012, a partir de las 19 horas, y que estará activa hasta el 26 de febrero próximo.

La muestra la presenta la Asociación Amaranto.

Un "Ágora" para los "dignificados"

2012-01-25T09:00:00.000+01:00

Podríamos decir que el siglo XX, escenario de dos grandes tragedias mundiales, se clausura en 1989 con el gesto de un hombre más propio de un drama de Chekhov que de una tragedia de Esquilo. Mikhail Gorbachov abre el tablacho que representa el muro de Berlín y se inicia la gran catarsis. El imperio comunista se desmorona y con él la mitad del mundo que se mira en aquel espejo.

Veinte años después, en 2008, los cimientos del otro gran imperio, el sólo y el único,
se tambalean en Wall Street, y en lugar de quitarlos, los hombres grises del régimen se dedican a poner tablachos por todos lados para contener la avalancha, que tres años después sigue filtrándose por todas la grietas de irracionalidad que las prácticas de un capitalismo “depredador e insaciable” (en palabras de Pere Casaldáliga) ha provocado.

El sistema hace aguas, y donde primero se nota como siempre es en la línea de flotación. Los de arriba callan y silban su canción mientras preparan sus botes salvavidas. Nadie quiere ser el primero en señalar al emperador desnudo, nadie excepto ese grupo de desharrapados anónimos, que como un coro griego, empujados por la fuerza profética de los hados, se dirigen a las plazas de todo el mundo con sus pancartas y sus jergones dispuestos a esperar la llegada del “héroe” al que le tienen una larga lista de preguntas preparadas. Naturalmente, el “héroe” que haya de purgar esta tragedia no se va a presentar jamás, pero las preguntas siguen ahí, plenas de sentido y tarde o temprano tendrán su respuesta, de alguna manera ya está en el aire.

El hecho de haber sido “ imprevisible” es lo que ha sorprendido de este movimiento del 15-M, de los “indignados” (término en cierto modo cursi y puritano y que yo cambiaría por el de “los dignificados”, pues es lo que late en el fondo de su motivación, la reivindicación de una dignidad para un discurso prostituido y tergiversado de ”lo social”. Y el hecho de ser ingobernable es lo que paraliza la mirada estupefacta de las autoridades que han de enfrentarlo.

Zygmunt Bauman pronostica un fracaso o una disolución de este movimiento del 15-M, por la falta de “pensamiento”, por ser un movimiento regido desde la “emoción”. Tal vez, pero sospecho que Baumann identifica aquí pensamiento e ideología, y olvida que también la emoción parte del “pensamiento” en sentido amplio. Si a un movimiento como este le falta ideología, en cambio no le falta razón, en el sentido “kantiano” conocimiento intuitivo de la verdad. Es una suerte de conciencia global de la necesidad de dar sentido y de dignificar el discurso de lo social como espacio concreto de la vida real frente a la especulación virtual que somete y maneja a los pueblos y sus necesidades básicas como si fueran moneda de cambio para enriquecerse a su costa. Algo tan simple como esto es lo que ha puesto de acuerdo a ciudadanos de todo el mundo.

Las redes sociales y su instantaneidad comunicativa no ha hecho mas que ponerle fecha y hora a una cita con la historia, inevitable y deseada, y de la que los protagonistas han sido los jóvenes, no la extrema izquierda ni los parias como intentan hacernos creer. No había mas que acercarse a las plazas de todas las ciudades del mundo y escuchar las intervenciones en las asambleas. Jóvenes preparados en las mejor tradición ilustrada. Proclamas y eslóganes de todo tipo, prácticos, poéticos, graves, humorísticos, cínicos, en prosa o en verso. La voz diversa y libre de la gente, distanciada de un discurso político que últimamente carece de resonancia.

Le faltan líderes visibles, concreciones, programas a este movimiento?. Tal vez, pero le sobra sensatez, prudencia, “koiné”, eso que necesitará la civilización si ha de mantenerse en pie. Ahora bien, que nadie espere que esta vez se vayan a asaltar palacios, quemar iglesias o guillotinar cabezas. Este movimiento, este teatro está reclamando después de cincuenta años de simulacros en las relaciones de producción, una imagen real del mundo, la única posible, la del contacto, la que ponen los cuerpos. Eso que R. Barthes llamaba la “venustidad”. En la medida en que este movimiento persista en el encuentro puntual , en la cita concertada y en las acampadas, su éxito se concretará.

Y nos podríamos preguntar: ¿pero, después de Mayo del 68?. Naturalmente, y la ironía del caso es que este tablacho (para volver a ese definitivo término del argot murciano) lo han levantado precisamente los nietos de aquel Mayo que los abuelos daban definitivamente por perdidos entre tanto aparatito de mandar mensajes.

Antonio Rubio

Poesía de emergencia social

2012-01-24T09:00:00.000+01:00

MANIFIESTO POR UNA POESÍA CÍVICA

Trataré de explicar porque creo que hoy sólo es posible escribir poesía cívica.
La poesía cívica no es sólo una propuesta de poética, es el cuerpo, todavía informe, que se ofrece a la figura miserable de la poesía en nuestro tiempo.

Resistencia interior

La poesía hoy tiene la figura de una “resistencia interior”. Al poeta le es cada vez más difícil mantener vivo el fuego, la tensión, la fuerza interna sin la cual no es posible que se produzca el encuentro con lo que tiene que decir, para que de ese modo pueda darse el resultado de un poema auténtico. Siempre, en toda época y para todo poeta lo ha habido, pero, hoy crece más el peligro de que se adormezca la fuerza interior creativa. ¿Y por qué? ¿Qué tiene nuestra época de especial? Cada uno de nosotros podemos ejemplificar o señalar muchos tipos de peligros que rodean al poeta en esta fase de la sociedad de masas, donde todo, hasta el tiempo personal, no “productivo”, está instrumentalizado por lo económico, y quizá el peligro peor - estaríamos de acuerdo -, el peor el enemigo del poeta es él mismo: que albelga en sí un quintacolumnista al servicio del invasor externo de su tiempo y energías.

Protesta y vigilancia

Pues resulta que ese constatar, en nuestra época, la potencia de desgaste a que está sometida la vocación, la fuerza interior o disponibilidad y necesidad emotivas del poeta, coincide con una general desposesión de sí mismo del hombre.
La resistencia interior, en el poeta y en el hombre actual, es el signo de una actitud de protesta mínima por la falta de acceso a la autenticidad, y una actitud de vigilancia ante la falsa plenitud en que se nos adormece.
Vigilancia no siempre operativa, quién puede tenerla todo el tiempo, sería psíquicamente destructivo. Personalmente, las fluctuaciones de encendido/apagado me producen un estado interior desazonador: es como ponerse un escudo transparente contra los “mensajes” del mundo, que han construido otros intereses distintos a los míos y a los que tengo que prestar todo mi interés. Empezar por no leer la prensa.... ni ver la tele... Hacerse un escudo antimediático. ¿Es posible? No. Entonces, abrirse -a la circunstancia, sin la cual (Ortega) no soy yo; pero de forma vigilante, con este pensamiento acediano, que abrevia por estética: “Yo soy mi circunstancia”, donde el acento está puesto en el Yo.

La esperanza a construir por la voluntad creadora

Si todo lo exterior, tanto como lo interior, está mediatizado, quedaría un foco de resistencia, de denuncia de la falsa plenitud que nos aliena, pero, cuidado, seamos realistas, ¿esto es un huero deseo programático, o dice algo que agarrar?
Aquí surge, entonces, una característica de la poesía cívica, que Maximiliano Hernández Marcos ha señalado, y que tiene que ver con la esperanza. ¿Por qué van solidarias poesía cívica y esperanza? Yo eso lo vi con toda verdad, y con toda la envidia mía también, en Miguel Hernández. El poeta de verdad tiene el deber de dar esperanza. La poesía no es, si hablamos en serio de poesía, lo que nosotros queremos si no lo que ella quiere en su esencia, que no es Platón, es tiempo, historia humana.
La poesía está alicorta si no da esperanza: la crítica, la ironía, la... lo... todo eso sólo tiene valor si finalmente da coraje y esperanza al hombre, de cada época, para vivir y enfrentarse a los problemas de su tiempo y a los de la propia existencia finita.

Bien, ¿y qué ocurre cuando el poeta concreto no tiene esperanza alguna? O ¿está como yo dentro del invernadero de un pensamiento negativo o ha regresado y va al escepticismo? ¿Cuando hoy no creemos que la poesía sirva para nada, y efectamente no sirve para nada? La poesía parte de la batalla perdida con su presente. Curioso que esto lo diga quien cree en la poesía cívica.
Dialécticamente, hay aquí otro círculo. Nudo gordiano. Los extremos se tocan. ¿La poesía cívica no es lo mismo, entonces, que la poesía intimista (Bécquer): si su raíz está en la resistencia interior, y si, como en algunos momentos, parece atraída por el desengaño y la negatividad hacia el presente de la situación histórica?
En el siglo XIX Bécquer podía entenderse y refugiarse en su yo íntimo, porque ese yo aún no estaba afectado por la duda de sí (“El canto más personal es un montón de sombra que te han puesto ahí otros, en tu cabeza”, dice Acedo, un siglo después de su admirado Bécquer).
Era así y de forma auténtica, “inocente” sólo si lo juzgamos desde nuestra situación. Y por no ser una huida falsa, inauténtica, podía ser buena, genial incluso, la poesía intimista de Bécquer.
Hoy, no: sería una falsedad, y de ahí solo salen malos poemas, todo ese conjunto de poemas líricos inauténticos, que se escriben a capazos.

Más allá de las narraciones, el foco en el futuro

El yo personal, íntimo, ha sido invadido desde hace tiempo por el “yo narrado”, ese yo narrado que ha adoptado el formato general del mundo narrado, preconstruido, en que nos hacen vivir los lenguajes económicos. Nuestro presente, incluso, es un presente ya narrado, descrito en sus incertidumbres: no estaba desacertado en su vaticinio Orwell. Lo peor no es, hoy, saber que estamos dominados, que otros mandan y deciden por nosotros; tampoco el saber que nos manipulan y engañan (esto era lo que se daba antes y se sigue dando ahora); lo peor es que sospechamos, ya hoy, que el Poder, aun manteniéndose como tal, ha perdido la coherencia, la visión racional de sus fines, el sentido del argumento que impone, y que se (di)vierte en fabricar múltiples y descabalantes relatos, microrrelatos cada vez a más corto plazo.
Es mentira que el futuro, que también nos dicen que está narrado ya, lo tengan en sus manos.
La poesía cívica entiendo que ha de poner su foco en ese “futuro”, que es lo abierto, lo no narrado, un futuro exento también de la visión personal del futuro por parte del escribe, pues esa visión ya viene narrada, y en mi caso tiende a ser muy escéptica.
Casi siempre escribimos con el foco en el pasado, ahora toca poner el foco en ese futuro esencial del ser humano, y traerlo como cuña para introducirlo en los huecos que asoman en el discurso preconstruido, que nos diseña el futuro desde una única y cosificada visión del presente.

Realismo comunicativo

Termino recordando el realismo comunicativo que es la condición asumida, en la poesía cívica, del lugar del poeta en nuestros días. El poeta ha asumido su condición de un ser humano corriente, y desde ella habla. Cuando me refería antes a la dificultad de mantener la fuerza interior, la fuente del poetizar, en un mundo de cotidinianidad cada vez más secante, partía de ese lugar.
Claro que en otras épocas el poeta se “ayudaba”, para mantener su singularidad aparte, bajo la barrera de una condición casi divina, o marginada, bohemia. Todo eso es hoy ya falso, más que los billetes de cien pesetas.
Lo difícil, y lo que hemos de asumir, es que el escritor es un tipo que escribe en medio de todas las contradicciones y problemas de cualquier ser humano de su tiempo. No hay un “bios” del poeta, como tampoco del filósofo o del religioso. Los hubo. Soltería, independencia moral, hasta una dieta específica. Todo eso, repito, es hoy falso, además de imposible. Quien se crea que así puede ser poeta, filósofo, o lo que sea, se miente y se hace una falsa composición del tiempo.
Cómo, desde dentro de la misma situación histórica alienante de cualquier hombre de su época, el poeta se plantea su función irrenunciable, esa es la tarea que tenemos que realizar, y un principio de verdad del que partir al menos.
En ese principio de verdad, que no es una pose más, se cifra la posibilidad de que, de nuevo, la poesía se entienda a sí misma como comunicación. No porque el poeta, como antes, venga con un mensaje desde otra parte, para comunicarlo, y suponiendo que la comunicación era un derivado del proceso de la escritura y, además, dando por hecho que el receptor estaba “a priori” obligado a prestarle atención. Sino porque la poesía se ha ganado el derecho a plantearse de nuevo como comunicación, como “otra forma de comunicación”, desde su misma esencia, proyectando su figura actual inmersa en el mundo y corriendo todos los peligros de la banalidad y la cosificación para rescatar algo que merezca la pena ser dicho y compartido.

Fulgencio Martínez

Fulgencio Martínez es autor de “Prueba de sabor”, de próxima aparición, y de otros tres poemarios: “León busca gacela”, “El cuerpo del día” y “Cosas que quedaron en la sombra”.

El ciervo nº 730, enero de 2012, rinde homenaje a Francisco Brines

2012-01-23T21:00:00.000+01:00

Presentación de La desmesura del círculo, de Ángela Serna

2012-01-23T09:00:00.001+01:00

Casa del libro, Bilbao, 24 de enero de 2012, a partir de las 19,30 horas.

Más información AQUÍ.

I concurso de relatos de terror e ilustración de Literatura Z, de Sacodehuesos Ediciones

2012-01-21T09:00:00.002+01:00

1.- Se abre la recepción de relatos originales inéditos (no premiados en otros concursos, ni presentados con igual o distinto título a otro premio literario pendiente de resolución) escritos en castellano y que puedan ser encuadrados dentro del género de terror. El tema del relato será abierto. Al mismo tiempo se abre la recepción de ilustraciones, del mismo género.

2.- Los participantes tendrán que pertenecer al grupo Sacodehuesos Ediciones (simplemente pichar me gusta AQUÍ)

3.- El plazo de recepción de originales comenzará al hacerse públicas estas bases, finalizando el día 1 de Abril de 2012.

4.- Se admitirá un solo texto por autor, un límite mínimo de 8 páginas y máximo de 12 en formato Word con letra Times, cuerpo 12, interlineado simple. A cada texto se le asignará un número, siendo desconocido el nombre del autor para los jueces.

5.- Los originales deberán presentarse por correo electrónico aconcursoliteraturaz@gmail.com

poniendo de asunto "Concurso relatos Literatura Z". En el cuerpo del correo-e se incluirá el título del relato, nombre completo, el seudónimo del autor, y dirección de correo electrónico.

6.- Textos con faltas de ortografía serán descartados del concurso.

7.- El autor, por el solo acto de enviar un relato a concurso, se hace responsable de que la obra es original y de su propiedad.

8.- Todos los relatos/ilustraciones presentados recibirán acuse de recibo y no se mantendrá más contacto con el autor salvo con los autores que resulten premiados o seleccionados, una vez levantada el acta del veredicto por parte de los miembros del jurado.

9.- El jurado estará formado por:

Fidho Zomic: Administrador del grupo Zomicz Geeks y creador de la página zomicz

Alejandra Maymar: Administradora del grupo Zomicz Geeks

Alicia Missterror de Almas Oscuras ( y http://unaeternidad-tresminutos.blogspot.com/)

Elniniodecristal Fernandez de Almas Oscuras.

Jon Tolon: Administrador del grupo Literatura Z.

El fallo del jurado será inapelable. El concurso podrá ser declarado desierto si la calidad de las obras presentadas no satisface al jurado.

10. Se escogerán 10 relatos y dos ilustraciones (portada del libro) que se mandaran a Saco de huesos Ediciones para su valoración. Será la editorial quien decida si el proyecto es viable para su publicación o no. Las ilustraciones ganadoras también se podrán usar como perfil en el grupo de Literatura Z, previa autorización de los autores.

11.- Los escritores conservan en todo momento sus derechos de autor sobre las obras presentadas.

12.- Los miembros del jurado y sus familiares no podrán presentar obras al concurso.

13.- No hay premio en metálico, simplemente la “fama”, reconocimiento y el agradecimiento de los cientos de lectores que tendrán acceso a los relatos.

14.- La presentación al concurso implica la total aceptación de estas bases.

Rastros perdidos en el tiempo

2012-01-20T09:00:00.000+01:00

José Luis Nieto Aranda
Rastros Perdidos
Ediciones Vitruvio, 2011

José Luis Nieto Aranda se nos dio a conocer con Un tiempo de adiós, donde ya apuntaba muchas de las facetas creadoras que nos ha confirmado en Rastros perdidos, apenas tres años después.

Cincuenta y cuatro poemas, divididos en cuatro partes, para encontrar la estela, o las estelas, que el lector deberá descubrir, de esos rastros que se han ido perdiendo con el paso del tiempo, entre tropiezos muchas veces inesperados, pero otras como un acto compartido de la voluntad que acepta la decepción que el paso del tiempo pinta en el rostro del poeta.

Destino, soledad y olvido he encontrado en muchos de los poemas de este madrileño nacido en 1962: “Si el destino de las palabras/ es recluirse en el olvido,/ no haré memoria del presente./ Esperaré a ser juzgado / por aquellos que no importan,/ por los duendes irreales,/ por los nombres ausentes/ y por los inmediatos ojos/ que se clavan en el recuerdo/ confuso de mis instantes/ recorridos”, nos declara al principio, en su Introito, para que no nos perdamos en ninguno de sus rastros, para que la luz de la poesía que nos espera sea suficiente para avanzar, aunque a tientas.

Poemas muchas veces breves, como un parpadeo, efímeros como un pensamiento, pero que nos llevarán a aceptar el paso del tiempo “como una edad para la calma”.

Francisco Javier Illán Vivas

Vuelta al lugar donde se hicieron las preguntas (II)

2012-01-19T09:00:00.004+01:00

En la primera entrega de este estudio (Ágora num 24. Boletín digital 9) revisamos el programa romántico de F. Schlegel y lo “inconsciente” del arte según Schelling. En esta segunda, nos plantearemos la necesidad radical de pensar, desde hoy, el sentido del arte. Por fin, en una próxima tercera entrega, el diálogo con los dos autores románticos se contrastará con la profunda reflexión de Martín Heidegger sobre el arte en la era técnica.

CRÍTICA DE LAS IDEAS ESTÉTICAS DE SCHELLING.
HACIA LA NECESIDAD DE REPENSAR EL SENTIDO DEL ARTE

El arte moderno se debatió entre las consecuencias del programa de F. Schlegel, quien proclamó la autoconciencia subjetiva, y el de Schelling, que introdujo la idea del inconsciente natural en el arte; esto lo analizamos como el regreso del arte a su origen, peligrosamente también su término: el embeleso, o en su forma hoy más divulgada y degradada, el entontecimiento. Schelling, para recuperar la vitalidad del impulso artístico. En nuestros días, para “distraernos” en una embriaguez indolora, o al menos sin efectos secundarios indicados en el prospecto del narcótico “arte”.

La manera fue distintivo de lo moderno, sí, pero la manera es un síntoma de autoconciencia. El estilo se asociaba a lo bello, la manera persigue lo característico. Hay, sin embargo, una duda, sembrada desde el arte clásico, de que esa autonconsciencia sea baladí, falsa, aparente. El estilo de lo bello “descansaba en los estratos profundos del conocimiento” (dice Simón Marchan), mientras que la manera “reposa en la apariencia”. Goethe consideraba el estilo como el “lenguaje universal del arte”, que expresa el máximum del arte. (En nuestra lectura antropológica: la mayor e insuperable adecuación entre realización e idea, entre objetivización autoconsciente y anticipación, entre obra y función simbólica cultural en el sistema de las necesidades humanas). Goethe, naturalmente, se sitúaba en la categoría de homogeneidad neoclásica, donde las formas ya están dadas y donde el lenguaje artístico que las expresa está “guardado” en un canon. En cambio, para Schlegel y los románticos, “la manera se fabrica un lenguaje para expresar de nuevo, a su modo, otra forma”.

La reflexion posterior de Schelling (en su importantísima obra de 1807 La relación de arte con la naturaleza) presentó ya esa crítica al neoclasicismo y a su nostalgia inerte, a su parada en un concepto de naturaleza, revival de la forma clásica. Imitando a los griegos, los artistas neoclásicos pierden la perspectiva de la propia fuerza viva de la naturaleza de la que los griegos se sirvieron para realizar su arte “clásico”.

El artista moderno, propone Schelling, no debe realizar ni una imitación mecánica de la naturaleza (crítica al arte como imitación servil, que ya la hicieron los renacentistas: grabados donde el artista mecánico se presenta como un mono imitador), ni a los modelos griegos, ni siquiera a los renacentistas. El artista ha de sumergirse en la visión orgánica, vital, en la fuerza de lo natural, que es lo insconciente de la naturaleza. El saber del artista dará objetivación, entonces, a lo ideal de lo vivo, a lo orgánico, y pues en el arte y en el artista se expresa lo inconsciente de forma inmediata y de una manera necesaria, como en la belleza de las cosas naturales, el arte tiene un privilegio sobre la razón teórica y sobre la propia filosofía, donde la necesidad y lo inconsciente están mediados por el concepto y por tanto no expresan de forma perfecta la vida. El arte es el órgano metafisico por excelencia, a partir de Schelling; lo que pasando por Schopenhauer y Nietzsche, llega a Heidegger y su reflexión sobre la esencia de la obra de arte y de la poesía de Hölderlin. La estetización de la sabiduría y del mundo tiene en Schelling su momento ejemplar: el absolutismo estético. Pero también, para Schelling, el arte es documento, del Hombre, de la historia del Espiritu. Hasta en una exposición contemporánea como Documenta de Kassel el arte moderno se justifica de esta manera. El arte expresa como monumento o documento ejemplar los ideales humanos, es el libro que ha de interpretar la Filosofía, el nuevo texto sagrado (el texto eminente, le llama la hermenéutica de Hans Georg Gadamer).

De esta manera, pero desde un posición no idealista, como la que básicamente sostiene Schelling y su secuela metafísica (Nietzsche) podrá ser interpretado el arte de forma sociologicista como documento positivo o síntoma de una época, incluso de forma psicologicista, o clínica, como manifestación de los deseos frustados del hombre o de sus patologías.

EL MAYOR LEGADO DEL ROMANTICISMO DE JENA

El triunfo de la manera, preparado por Schlegel en su programa, y entronizado por Schelling pocos años después, en la conferencia origen de su libro citado, es, quizá, el legado del Romanticismo que más inquieta y gravita en el arte moderno. Schelling tuvo gran cuidado y corrección ante el “estilo” de los neoclásicos que admiraba, los valoró para derrotarlos desde dentro, e imponer un concepto de “manera” más brillante aún, quizá también más potente, que el de Schlegel: como captación de una nueva forma del mundo, creadora de un nuevo lenguaje; pero, lo que importa que reparemos más, dentro de su visión del arte, implicando el arte con el lenguaje. Cada manera artística, cada lenguaje ensancha el mundo: el arte no es ya la representación de un mundo hecho, sino enfrenta y produce a su vez una realidad progresiva, se inscribe en una metafísica no estática sino dinámica. Los términos, por tanto, esenciales del arte como representación, metafísica y anticipatoria, cambian necesariamente. El arte es metafísico en un contexto dinámico, no expresa la “esencia” fija de un mundo eterno. Por otro lado, su capacidad anticipatoria necesariamente también se altera, entra en crisis de referencias, pues el artista no tiene el privilegio de acceder a las altas esferas metafísicas desde donde leía el sentido del mundo. Es comprensible, pues, que la vis adivinatoria se pierda en tentativas o juegos sin contenido.

Lo que nos importa aquí es destacar que los románticos abren un nuevo mundo, un horizonte de perspectivas insospechadas desde su contraposición de la manera frente al estilo. La manera no sólo persigue el nuevo modo de ver las cosas, el modo propio, la voz de la subjetividad propia del artista, sino que revoluciona el concepto de forma: la forma no es ya cerrada, eterna, su visión no genera mayestáticamente una contemplación y un respeto sagrados. Sino que (1) la forma es abierta, cada nuevo modo de ver, crea una forma distinta; y (2) la actitud ante el arte es por un lado de mayor implicación subjetiva, implica a la sensibilidad total y a la razón que el artista pone en las cosas que observa. Algo así, entendemos, quiere decir Schelling en su estudio de los grados de evolución formal del arte plástico, en la pintura y la escultura: desde lo característico hasta los estadios de la gracia y del alma. En todos los estadios la idealización implicada en la forma no es posible sin el entusiasmo y la empatía del artista con la naturaleza, aunque es el último, el del alma, donde la subjetividad artística alcanza la plena expresión de su armonía, el equilibrio entre lo característico y la gracia en cierto modo impersonal; en el alma, la subjetividad se encuentra reconciliada con la naturaleza. En la pintura, la belleza de la gracia sensible la representa Rafael; la del alma, el Correggio. La perfección del claroscuro, en este artista, expresa a la vez el alma de la naturaleza y del artista, perfección de lo natural y de lo artificial, del matiz que expresa el artista.
Sale al paso, aquí, una reflexión sobre el claroscuro, a partir de una insinuación de Schelling, de que el claroscuro, ese juego de luces y sombras, de blanco y negro y del matiz (la perfección de la obra de arte está, recuerda el filósofo, en los detalles) capta fielmente los juegos (contrastes) del alma de la naturaleza, y por tanto es un momento de la perfección formal perseguida; lo que apuntamos resultará más entendible después cuando lo relacionemos con el tema del lenguaje.

DEL CLAROSCURO A LA FOTOGRAFÍA EN BLANCO Y NEGRO

El claroscuro no es solo una técnica, sino una visión que capta una de las maneras esenciales de la naturaleza; por tanto, si quisiéramos expresarnos platónicamente, una idea de la naturaleza, es decir, del todo. En ese juego dinámico de luces y sombras se obliga de algo modo (diríamos kantianamente) a responder a la naturaleza, a manifestarse en una de sus formas esenciales: a mostrar su alma, diría Schelling. En efecto, si hacemos la experiencia de contemplar un paisaje y le abstraemos las sombras, la perspectiva, los matices de intensidad, luz y color, podríamos sólo obtener una visión del paisaje como algo plano, un campo heteróclito de colores (cado uno definido en su individualidad) o como un conjunto de líneas geométricas. Pero así no forzamos a la naturaleza a presentarse como tal, como un todo, una unidad en la que los colores, sus brillos, se corresponden (como diría Baudelaire), las líneas se corresponden, conversan, convergen, se rechazan o se modifican mutuamente. No vemos, en fin, nada real, sino nuestra apariencia de idea, una abstracción. (Una abstracción no en el sentido moderno vanguardista, sino como una carencia resultado de una falta de atención a los detalles y a su lugar en el todo, un déficit en el órgano sensorial, así como se produce nuestra percepción la mayoría de las veces; con una ausencia de atención, en el fondo. Para ver la naturaleza, en fin, hemos de prestar atención, mirar con toda nuestra alma y con los cinco sentidos puestos, como se suele decir).

Sin casi darnos cuenta, en ese experimento aparecemos nosotros también, el propio observador, nuestra subjetividad.

Veamos el cuadro de Friedrich, El monje frente al mar.

Se han dado varias lecturas filosóficas y culturales de dicho cuadro. Aquí queremos hacer ver que la expresión de lo infinito, el encuentro, en cierto modo anulador e inquietante, entre la naturaleza abierta y la subjetividad abierta se produce por el juego de la luz, del blanco (del cielo) y el negro (del mar), y que no se puede representar de otro modo, sino así, de ese modo que capta una nueva forma, la experiencia de infinitud que expresa el cuadro. Una visión deconstructora, atomista, destruiría esta captación, lo mismo que una visión que exaltara los colores, impresionista, o la realista histórica. Lo importante ahí no es el momento en sí, del encuentro entre dos infinitos, ni por supuesto el documento histórico, sino el representarse puro, el aparecer en un lugar y momento de una experiencia estética y de una nueva forma de sensibilidad, y de lenguaje.

Este arte, por tanto, tiene en sí su propio lenguaje.

Hacemos una comparativa con la fotografía, que también nos enseña por sí nuevas formas de sensibilidad. Planteamos otra experiencia, o constatación. La fotografía en blanco y negro se dice que tiene un encanto, un aura y expresividad únicas. Pero tiene algo más. Su técnica fuerza una manera propia de presentarse la naturaleza, la realidad, que no puede ser la misma que la fotografía en color.

En relación con el claroscuro, y esa manera de objetivarse la realidad en la red de casillas del blanco y negro y de los grises que alcanza a tocar una clave esencial de la forma general de presentarse las cosas. Ahí, en esa simplicidad, parece que hay menos presencias de formas y colores que nos distraen de lo esencial, del alma de las cosas y de nosotros. No es el tiempo tampoco, detenido y apresado, ese momento irrecuperable lo que guarda la fotografía de arte en blanco y negro. Y hacemos también abstracción del posible valor histórico. Si no tiene ni un valor impresionista ni histórico, qué da la fotografía en blanco y negro, sino el alma: el modo general de su existir en el tiempo (no en este o aquel fragmento de tiempo), un encuentro con algo real y a la vez su desenfoque ante lo real, que hace presente la distancia que hay respecto a nosotros mismos ante lo real, como ante algo que fue y aún no ha pasado. En fin, nos plantea una nueva experiencia, un nuevo lenguaje, desde su propio lenguaje artístico y técnico.

Fulgencio Martínez

Defensa central

2012-01-18T09:00:00.001+01:00

Ahí viene el delantero, dispuesto a marcar el gol. Yo, el defensa, debo evitarlo. Si no lo consigo se llevará los aplausos, y si lo consigo también. Porque es el mejor. Su equipo se está jugando ganar el campeonato, y lo haría de forma muy merecida, según los entendidos. Sólo les falta un punto, y nosotros ya hemos perdido la categoría y jugamos sin muchas ganas. Los peores de todo el torneo, en eso también están de acuerdo los entendidos. No sé qué hago aquí, viendo cómo se acerca ese jugador exquisito al que, hasta hoy, sólo había visto por televisión. Es una historia larga: los centrales titulares de mi equipo están lesionados, y uno de los suplentes ha decidido irse de vacaciones antes de hora. Esto ha provocado que el entrenador no haya tenido más remedio que sacarme a mí a defender este empate que no nos sirve para nada, ni siquiera para salvar el honor. ¿Qué honor? Jugadores, aficionados y periodistas nos dan por imposibles. Se limitan a decir que somos malos, que no parecemos ni profesionales. Nuestros seguidores hace tiempo que nos dieron la espalda. La verdad es que somos pobres técnicamente y agresivos en lo físico, casi violentos. Hemos lesionado a algún jugador rival y somos el equipo con más tarjetas rojas del campeonato. Yo mismo he sido expulsado dos veces, y este el tercer partido que juego, así que con esas credenciales recibo a un delantero hábil en el mejor momento de su carrera. ¿Cómo evitar su jugada maestra? La he visto muchas veces: un quiebro de cintura hacia la izquierda, la pelota hacia la derecha y el defensa, desconcertado, no sabe cómo reaccionar. Sé que hoy lo volverá a intentar, y me engañará como engañó a otros. Me llena el deseo de pararle y que alguien en la grada me aplauda, pero es más probable que llegue tarde al balón y que mi pie impacte con su pierna. ¿Y si además de evitar el gol lesiono al delantero? Nadie me lo perdonaría. Hasta mis propios compañeros, así somos, me preguntarían de qué voy, por qué he hecho eso. Durante unos días la prensa deportiva mostraría una instantánea del momento del choque: estrella mundial sufre una brutal entrada por parte de defensa incompetente. Sería una situación lamentable, una injusticia histórica. Y también mi única oportunidad de salir en portada. No quiero hacerle daño. El defensa visita el hospital donde ha sido operado el delantero. Arrepentimiento público. A través de mi nobleza como ser humano podría llamar la atención de algún club importante. Porque puedo no ser un gran futbolista, pero creo ser una buena persona. ¿No debería ser eso suficiente? Pero no lo es. Hace falta algo más, algo que tienen jugadores como el delantero, quien, por cierto, ya está aquí. Así que corro hacia él, me concentro en la pelota y me lanzo con las dos piernas por delante.

Aléx José

Necroslogía, antología de relatos en torno a la muerte

2012-01-17T09:00:00.000+01:00

Reproduzco la entrada en el sitio de Necroslogía, una antología de relatos en torno a la muerte, donde participan colaboradores y amigos y amigas de Prosófagos, y que ha prologado el codirector de este sitio.

Han participado: Manuel Navarro Seva, Alex, Pedro, Montse de Paz, Edgardo Benitez, Plácido Fernández González, Jesús García Lorenzo, Esther González, Antonio Romero Montilla, Manuel Pérez Recio, Fernando Castellano Ardiles, Rafael Homar Farragut, Sergio José Martínez Valls, Zoquete, Pepsi, todos ellos alrededor de La Tribu.

Podéis acceder a su sitio pinchando AQUÍ.

La muerte es esa cita que no aparece en tu agenda
pero que siempre llega puntual.

Necroslogía es una antología de relatos sobre la muerte y los fantasmas que la rondan: el miedo, la ternura, la tristeza, el amor, las flaquezas, los deseos, memorias y olvidos, e incluso el buen humor. En Necroslogía la vida y la muerte comparten la misma geografía, y no siempre está claro dónde termina una y dónde comienza la otra, ni siquiera si existe una frontera entre ambas.

Si la muerte nos hace iguales, morir, en cambio, es un acto personal e intransferible; así como ninguna muerte prepara para la próxima, ninguno de los quince cuentos de Necroslogía prepara al lector para el siguiente. Esta es una antología para lectores que gusten de la incógnita de finalizar un relato y no saber con qué se encontrarán a la vuelta de la página, porque los cuentos están inspirados en experiencias de vida diferentes y son expresión de la particular forma de aproximarse a la literatura de cada uno de los autores.

Esta antología nació en el colectivo La Tribu 11, a partir de una idea de Plácido Fernández González (Plásido) y llevada adelante a través de un trabajo de equipo. Además de escribir los cuentos, nos constituimos en correctores, dibujantes, fotógrafos, creativos, editores, ortotipógrafos, diseñadores... Por eso, Necroslogía no es solo un conjunto de relatos: también es un libro elaborado con la alegría, paciencia y creatividad de un trabajo artesanal hecho entre todos. Contamos, también, con la inestimable colaboración de Francisco Javier Illán Vivas como autor del Prólogo.

Cuando la tierra tiembla

2012-01-16T09:00:00.000+01:00

Para Lorca, en el eclipse del sol.
Para mis amigos de Lorca,
con quienes tanto me une.

Cuando la tierra tiembla
y los pájaros callan,
una tristeza sorda
se instala en la tarde.

La luz se desmorona
y el aire se comprime
con sonoro silencio
de llanto contenido.

Embriaguez de roturas
y columnas del mundo,
en la tarde aquietada
entre el dolor emergen.

En el cantil del aire
oscilan las palabras
terribles, los susurros
ahogados, sin voz.

Demorado un eco
entre acantilados
destiñen las campanas
sobre el cielo monótono.

La cicatriz, la herida,
de una sangre alejada,
como la luz sin forma
que habita la negrura.

Pero vendrán las manos,
vendrán, vendrán las manos,
juntas, unas con otras,
en vendimia de amor.

Heraldos de palomas,
manos junto a las manos,
brazos junto a los brazos,
en vendimia de amor.

Porque es la luz que llega
a construir de nuevo
entre un clamor de voces,
vendrán, vendrán las manos.

Porque la luz, la luz
—núbil, rotunda, clara—,
no puede ser vencida
ni eclipsado el sol.

Jesús Cánovas Martínez

Diario político y literario de Fulgencio Martínez, donde se habla de lo divino y lo humano: 2

2012-01-14T08:00:00.002+01:00

CONVERSACIONES CON EL OTRO RUBALCABA
(“Sobre el caso Nóos ocupa, todo está por ver”)

Tengo un amigo que se llama Alfredo Pérez Rubalcaba. Su homonimia con el político socialista y candidato a dirigir el PSOE le ha proporcionado algún equívoco y unas cuantas invitaciones de María González. Mi amigo es un sabio, y como los de su especie vive retirado, más amante de las aguas termales de Mula que de salir en la prensa. “Cuando me imagino, dice, la vida tan acelerada que ha de llevar mi casi alter ego, el político, no echo de menos al hombre más joven que fui. Feliz como un alemán jubilado, leo y pienso y miro la huerta y este río que transcurre sin por qué”. Es una experiencia estética oír su conversación pausada, pendular -pues cuando creemos que ha terminado de exponer un tema comienza de nuevo por la punta. No importa tanto el asunto que trate, las razones con que argumenta, como el vacío mental que consigue crearnos en la cabeza con el sunsún de su voz y con los gestos de sus manos, que tienen algo de librero de viejo, y parecen siempre querer escarbar entre un revoltijo oscuro, hasta encontrar una edición noble.

La otra tarde, hablando sobre si Dios existe, me dijo: “ahí tienen una cuestión palpitante”. (Alfredo hablaba como si estuviera interviniendo en las Cortes, pero con la serenidad de mente de un maestro del zen). “Porque si no existe, todo está permitido -me anticipé a decir yo- hasta la corrupción y la fortuna no ejemplar de Urdangarín”. “No, porque si existe -me rectificó- a ver cómo se explica que uno pueda desde una cierta justicia objetiva vivir en un palacio de 2500 metros cuadrados, y que el gobierno actual quite la ayuda de 200 euros de emancipación a los jóvenes para el alquiler de vivienda”.

Luego, comentamos la tristeza del Rey y su mensaje de Navidad. “¿Habrás observado triste al Rey?” “Sí, dije yo; pero también lo advertí fuerte y convincente en el Derecho y la Ley, que es igual para todos; en eso que los griegos llamaron isonomía, principio jurídico de la democracia”. “A propósito de tus griegos, me dijo, ¿conoces el diálogo platónico Eutifrón? En él cuestiona Sócrates si un ciudadano tiene obligación de denunciar a un familiar que haya cometido un delito (en aquel caso, el asesinato de un esclavo) o de ocultarlo a sabiendas ante la Ley para no perjudicar a uno de su sangre?”

“Pero en el caso de Urdagarín -ya sé adónde me quieres llevar, Alfredo- no es de su sangre, ni el delito es de sangre”. En ese momento explotó en risa Alfredo, con esa risa tímida, tan suya, que no quiere enseñarnos unos dientes un poco negligentes. “En el caso que Nóos ocupa, todo está por ver. Lo que plantea Sócrates, en el ámbito democrático entre ciudadanos corrientes (no sólo iguales entre sí ante la Ley, sino, sobre todo, iguales porque no hay Nadie, ni dios ni hombre, por encima de la Ley) es el conflicto entre ética y legalidad. Sócrates, que gustaba siempre de pensar por su cuenta (otra cosa es el resumen que transmitía su gabinete de prensa) es defensor de los sentimientos éticos de piedad y respeto. ¿Me preguntarás por qué?”. “¿Por qué?”, le dije.

“Porque esos sentimientos son comunes en todos, como la ley, pero además son más universales que la ley, variable según las naciones. Para el dialéctico griego de la democracia, no puede haber conflicto entre legalidad y ética, dado que la ética trasciende la primera

sin anularla: la confirma en su relatividad. Las cosas eran diferentes en la tragedia griega, que trataba los mismos conflictos pero en un contexto monárquico, donde el rey era intocable a la ley humana. El teatro ateniense -acuérdate de Edipo, Orestes, etc- presenta héroes trágicos que sucumbieron a faltas que no podían expiar por la ley. El teatro tenía esa función democrática, avisadora; era como la distopías, pero en el pasado.... Mirad lo que ocurre cuando no existen plenos mecanismos democráticos. Los dioses tienen que intervenir para juzgar a los reyes; con expiaciones terribles los rebajan a su condición humana para que puedan suscitarnos sentimientos de piedad y respeto. Antiguamente el conflicto trágico se resolvía con el juicio de los dioses a los reyes, o con la intervención de la Moira, el destino...” “pero hoy ya no, tranquilízame, Alfredo”, le dije.

Y continúó hablando mi amigo cuando yo ya solo seguía el sunsún: “las sociedades democráticas que no han sabido desprenderse de la supervivencia de la oscura noción de realeza, y de esa otra, aún más oscura, de la sangre real (transmisión por vía de sangre de los derechos al trono) mantienen sin resolver lo que planteaba la tragedia. Sócrates nos enseñó que los únicos derechos de sangre son comunes a todos, la piedad y el respeto. Ninguna sangre tiene más maná mágico. La sangre pide piedad y respeto a la sangre. Tiene legítimo valor ético aquello que obliga desde el sentimiento de la sangre. Nadie está obligado a declarar contra sí ni contra su sangre.

La sociedad española es la que está en conflicto consigo misma, al situar por encima de la ley a un hombre y al pedirle, luego, que actúe conforme a la ley, cuando puede asistirle otras razones éticas, humanas, de sangre. Y al final, todos somos este mismo río que transcurre sin por qué”.

Fulgencio Martínez

El artículo de Fulgencio, publicado en La Opinión de Murcia, 10 de enero de 2012

Cada uno de nosotros producimos monstruos

2012-01-13T09:00:00.000+01:00

José Ignacio Becerril Polo
El monstruo en mí
Saco de Huesos Ediciones
Septiembre de 2011

Nueve relatos, o novelas cortas, que para estos debates están los puristas, pueden bastar para descubrir a un autor que le gusta escribir, que le gusta como escribe y que propone al lector pequeñas pruebas para jugar con él mientras lee lo que, estoy convencido, con tanto placer ha escrito.

Incluso menos de nueve relatos, uno sólo, Casa ocupada, puede servir para avisarnos de que estamos ante un gran contador de historias, escritas con precisión y sencillez de lenguaje que es imposible no descubrir que estamos ante una pluma a la cual deberemos estar atentos a partir de este momento.

Esta ha sido mi impresión cuando he leído el libro de Nachob, y no era lo primero que leía de su puño y letra- permítaseme decirlo así-, ya que después de su opus primun “Un año de palabras”, quedé gratamente sorprendido de su capacidad creativa, de lo que puede hacer con los sentimientos humanos; en estos nueve relatos que nos ocupan, llevados a sus últimas consecuencias, sabedor de que el verdadero monstruo, la más abominable de las aberraciones no está fuera, sino que habita en nosotros, dispuesta a salir en cuanto tenga una oportunidad, o, por qué no, cuando le permitamos brotar para transformar la realidad en un caos de horror.

Juan Ángel Laguna Edroso ya nos avisa en el prólogo: ¡He creado un monstruo!, y quienes no conocían a José Ignacio deberán agradecérselo por toda la eternidad, pero también quienes le conocíamos debemos estarle agradecidos de su creatura, de haber podido leer Casa ocupada, una magnífica historia de casas maldecidas que tantos recuerdos me ha traído del maestro Lovecraft, y os aseguro, desconocidos lectores, que esto no es una blasfemia.

Todo está hecho es otro relato donde nos enredamos en una intricada madeja que se desenredará de forma trepidante y, tal vez, inesperada.

Tal vez sea el primer relato, La ciudad inhabitada, muy oportuno colocado al principio del libro, el que nos marcará- por su sorprendente desarrollo y su magnífico final- el nivel del autor al que estamos leyendo. Sabremos que, cuando queda algo que decir, se puede producir el milagro. Becerril Polo también exprimirá hasta el límite de la enajenación mental la devoción sin término de una madre, o la lucha interna de la personalidad esquizoide, hasta tal punto, que el lector no sabrá quién es quien le cuenta la historia que afecta, aquí también, a una madre.

Me gustaría contaros algo de cada uno de los relatos, pero tampoco se trata de eso, ya que poco puede decirse de ellos sin entrar en datos que os podrían privar del placer de descubrir a José Ignacio y sus sorprendentes historias, como Todo está hecho. Leedla, haceros ese favor, sabréis que cuando se paga con la misma moneda puede que sea el momento en el que hayamos perdido la cordura.

Francisco Javier Illán Vivas

Premios Andrés Salom- Ágora papeles de arte gramático, Categorías A y E

2012-01-12T09:00:00.002+01:00

INFORMACIÓN SOBRE LOS PREMIOS ÁGORA 2011

EN LAS CATEGORÍAS A y E.

A, PREMIO DE HONOR DE LA REVISTA ÁGORA

AL AUTOR, INSTITUCIÓN O MEDIO MÁS DISTINGUIDO

POR SU OBRA O SU LABOR DE DIFUSIÓN LITERARIA EN 2011

E, PREMIO DE LA CRÍTICA DE LA REVISTA ÁGORA

AL MEJOR LIBRO DE POESÍA EN ESPAÑOL EN 2011

El día 30 de Enero, si podemos cumplir en fecha este compromiso, publicaremos el fallo definitivo de los premios Ágora 2011 en las categorías A y E, que junto con los Premios Andrés Salom, fallados el 30 de noviembre pasado, completan la tarea de apoyo y difusión de la cultura que venimos realizando en el blog y en la revista, digital e impresa, Ágora-Papeles de Arte Gramático.

Os comunicamos las siguientes novedades:

Que hemos recibido por email los siguiente libros de poesía, que concursan en la categoria E:

Libros recibidos

David Benedicte: Maremagnum, 44. (ed. Islavaria, Sevilla, 2011)
Francisco Montijano Rodajo: Como si la vida fuera. (imprenta Roal, Madrid, 2011)
Carmen Garrido Ortiz. El parteluz. (Colección Alumbre Diputación de Cádiz, 2011)
José Ramón Otero Roko. La falta de lectura. (DVD ediciones, Barcelona 2011)
Ángel Muñoz. Amor manual. (Editorial Talentura, 2011).

Esos libros recibidos, además de optar al premio de la crítica, como los demás, podrán recibir una mención específica, que el jurado ha considerado implementar, interpretando las bases de los Premios Ágora. Esa mención se llamará PREMIO AL LIBRO REVELACIÓN DE 2011.

De este modo, hacemos justicia a los autores noveles que publican en editoriales de escasa difusión cuya obra no puede llegar a la mayoría de escritores y criticos.

No siempre se corresponden una premio de critica con la calidad propia de una obra, sino a veces con la difusión o distribución del libro que posibilita su conocimiento crítico. Por otra parte, queremos también animar a los autores para que en próximas ediciones nos envíen los pdf de sus obras, cuando éstas no hayan tenido la difusión merecida.

3. En lo que se refiere exclusivamente al premio REVELACIÓN emitirán sus votos seis escritores, que ya han sido miembros del jurado de los Premios Andrés Salom: Ana Delgado Cortés, Maximiliano Hernández Marcos, José Luis Martínez Valero, Joaquín Piqueras García, Fulgencio Martínez y Francisco Javier Illán Vivas.

En las modalidades generales de los Premios A y E, se computarán los votos emitidos por todos los escritores que han sido encuestados. Estamos recibiendo ya esta semana las primeras valoraciones por correo electrónico.

Breves

2012-01-11T09:00:00.002+01:00

Lo que escribo
viaja sin mí.

En cada línea escrita
sigue
desmoronándose un horizonte.

País,
un viejo cuerpo que se esfuerza
y no consigue ser joven.

Agostar,
días de sol,
días inútiles.

El grano y la paja
son dos caminos distintos
de una misma e inseparable
trama.

De nuevo hacia el sur,
el agua es la sed
y el milagro.

El cielo se va construyendo
de pasos y papeles.

Cuando acudes
a mi relato,
nace la luz.

Agustín Calvo Galán

Marina

2012-01-10T09:00:00.003+01:00

Estoy bajo estos árboles

como el que está

en medio del océano.

El aire entre sus ramas

suena como las olas,

a veces una aguja de pino

me salpica la ropa.

El suelo permanece quieto,

sólo se mueve

mi cabeza que va

de un lado a otro,

sometida al vaivén

del agua o del aire

que incansable sostiene

esta parábola marina.

José Luis Martínez Valero
Fotografía Toñy Riquelme

Recital poético de Joaquín Piqueras y Javier Mateo, en Ficciones, Murcia

2012-01-09T09:00:00.001+01:00

El martes día 10 de enero, a las 20.00 horas, en el Café Ficciones, Murcia, volverán a recitar juntos los poetas Joaquín Piqueras y Javier Mateo.

Dos escritores que empezaron básicamente como narradores, que emprendieron conjuntamente la aventura teatral de Leviathan teatro, colaboraron en el programa de la SER A vivir que son dos días, participaron activamente en la gestación de la revista Ágora. Papeles de Arte Gramático, y que emprendieron caminos diferentes: Javier Mateo, el del teatro (tras la publicación de su libro La azotea, 2003, en la que precisamente sale como coprotagonista un escritor suicida llamado Joaquín Piqueras) y el de los guiones para televisión; Joaquín Piqueras, el de la poesía, con la que ha obtenido varios premios y reconocimientos a nivel nacional e internacional, de los cuales os hemos ido informando.

Javier vuelve con fuerza al terreno poético junto a su amigo Joaquín en un recital que promete sorpresas y revelación de anécdotas, y además no podría ser en otro escenario que en Ficciones, pues ambos coinciden en ser confesos cinéfilos.

Diario político y literario de Fulgencio Martínez, donde se habla de lo divino y lo humano: 1

2012-01-07T22:00:00.000+01:00

RAJOY EL MAGO Y EL LENGUAJE DE LOS DEDOS
Deseando que los tres Reyes Magos de verdad hayan sido generosos con vosotros, os dedico este relato.

En cierto tratado budista se cuenta la historia del rey Milinda, que dominaba diecinueve ciencias - entre ellas, se citan la Revelación, la Tradición, el Yoga, la aritmética, la música, la medicina, la guerra, la poesía y el lenguaje de los dedos-. Rey tan sabio encontró la síntesis entre la sabiduría de Oriente y la filosofía griega, que después de él se perdió y muchos buscan aún en nuestros días. A aquel griego- llamado, en realidad, Menandro, soberano de un pequeño reino noroccidental de la India cuando corría el siglo II antes de Cristo – la leyenda lo ha adornado con una barba de filósofo y un aura reverencial de Mago de Oriente.

Viendo en la televisión al Presidente Mariano Rajoy no puedo sino creer que él es la reencarnación de aquel rey docto y mágico. Consiguió que en las pasadas elecciones la mayoría de los españoles sufrieran un episodio de credulidad colectiva y creyeran por fin en sus poderes mágicos para resolver los problemas del país.

Pero lo cierto es que Mariano, en sus anteriores avatares, no estuvo afortunado en el oficio de Harry Potter. Se empeñó en hacer aparecer como hilillos de plastilina lo que todos llamaban chapapote. Pero, cuando advirtió que Elena Salgado y el aprendiz de brujo José Luis Rodríguez Zapatero volvían a cometer su mismo error - negar la realidad, sustituir la realidad con discursos bienintencionados, lo de los brotes verdes- reflexionó y decidió que en adelante su magia consistiría en hacer ver la verdad... Con sus diecinueve ciencias en la mano, las aireó y se quedó solo con la del lenguaje de los dedos; para entonces había llamado ya a Luis de Guindos, en busca de la ciencia que le faltaba para completar la veintena, la Economía. Así me explico el éxito que consiguió en las urnas, fruto de un ilusionismo bien calculado.

El primero de los discursos trata de la utilidad y conveniencia de decir la verdad. De vuelta de los altos trucos de academia que crean visiones edulcoradas de la realidad, la magia verdadera del sabio Presidente Rajoy viene a devolvernos los hechos desnudos. El lenguaje de los dedos lo hemos malempleado (¡desviado para usar maquinitas de ocio y ortopedias digitales!); ahora tendremos que volver a aprender la cuenta de la vieja y no engañarnos respecto a lo que hay. Una enmienda a la era digital, se dirá de la filosofía de Rajoy; pero también al lenguaje virtual de los políticos mediáticos: a nadie interesará ya el color de la corbata, la sonrisa o el traje que lleve el Presidente, sino ¡atentos al gesto de su mano!: 1, 2, 3, hasta 10 dedos tengo en mis manitas, es todo lo que hay para repartir. Rajoy levantándose en la Cortes y alzando su mano para explicar los presupuestos: los diez dedos de las manos de Rajoy, ¡atentos!, serán el santo y seña de la verdad.

Cuánto para Sanidad, cuánto para pensiones, cuánto para Educación: una uña o lo que sobre de la mano de Rajoy. La palabra fuerza, talismán, es recorte. Ahora ya empezamos a despertar los españoles y a darnos cuenta de la fatídica ilusión en que vivíamos. Pero de momento el Presidente Rajoy lleva el paso ganado. Ha tomado la delantera a la Oposición socialista, que en la sesión de investidura del Presidente, dijo, sumisamente, por boca de Rubalcaba (¡toma! eso antes de consultarse, entre ellos, los socialistas y antes de decidir su estrategia y su nuevo líder y programa), que estarían al lado de Rajoy en su politica de recortes, pero que se opondrían radicalmente cuando afectaran a servicios sociales básicos. La misma machacona música de los recortes es lo que aportan al coro 150 espartanos de izquierda. La declaración de Rubalcaba es como darle permiso al Presidente para que nos dé cien palos en el cogote, pero ningún más, eh.... Y ahora estamos (Soraya de Santamaría dixit) en el inicio del inicio....

Fulgencio Martínez

El artículo de Fulgencio, publicado en La Opinión de Murcia, 7 de enero de 2012

Ágora papeles de arte gramático sigue ascendiendo en el top-blogs de literatura

2012-01-06T09:00:00.000+01:00

En efecto, en el sitio ebuzzing (antiguo Wikio), y aunque insistimos que los requisitos de esta clasificación nada tienen que ver con los visitantes de nuestra bitácora, sí que deben tener algo sobre el interés que despierta las publicaciones de nuestra gente en la revista literaria y, por reflejo, en el blog.

Gracias una vez más a quienes nos enlazáis, por que ello da más relevancia a las obras que publicamos.

Podéis acceder al top-blogs de literatura pinchando AQUÍ.

Antología de relatos sobre París, de Ediciones Irreverentes

2012-01-05T09:00:00.000+01:00

Fotografía: Toñy Riquelme

Varios de los autores y autoras que han colaborado con Ágora papeles de arte gramático, aparecerán en la antología de relatos sobre París que convocó Ediciones Irreverentes el pasado año que, entre otros, son Isabel Martínez Barquero, Alfredo Bryce Echenique, Joaquín Leguina, Francisco Legaz, Juan Serrano, Álvaro Díez Escobedo, Miguel Ángel de Rus, Manuel A. Vidal, Elena Marqués, Rosario Martínez, Francisco Javier Illán Vivas...

II certamen de poesía joven "Premio Miguel Gutiérrez García",

2012-01-04T09:00:00.001+01:00

II CERTAMEN DE POESÍA JOVEN “PREMIO MIGUEL GUTIÉRREZ GARCÍA”

El Liceo Poético de Benidorm convoca el II Certamen de Poesía Joven “Premio Miguel Gutiérrez García”, con arreglo a las siguientes

BASES:

1. Podrán participar en este certamen los poetas de cualquier nacionalidad residentes en España cuya edad no sobrepase los 30 años. Quedan específicamente excluidos los miembros y ex miembros del Liceo Poético de Benidorm así como sus familiares directos, y los familiares directos de los miembros del jurado, como así también el ganador del I Certamen.

2. Los poemas presentados no tendrán una extensión superior a cincuenta versos ni inferior a catorce. Han de ser inéditos, estar escritos en lengua castellana, y no haber sido premiados en ningún otro concurso en el momento del fallo. Su temática y forma serán libres y sólo se admitirá una obra por autor.

3. Los trabajos, mecanografiados a doble espacio, se presentarán por quintuplicado, con seudónimo o lema y por el sistema de lema y plica, incluyendo en un sobre cerrado el nombre y la dirección del autor, correo electrónico (si lo hubiere), número de teléfono y fotocopia del documento de identidad. (DNI, NIE o Pasaporte). Se aconseja el envío de una breve nota bio-bibliográfica.

4. Los trabajos, junto con la plica, deberán remitirse por correo al Liceo Poético de Benidorm, Apartado de Correos Nº 3037 - CP 03502 – Benidorm, Alicante, haciendo constar en el exterior del sobre “Para el II Certamen de Poesía Joven “Premio Miguel Gutiérrez García”.

5. Los premios serán los siguientes: Primer premio, € 600 y diploma. Segundo premio, € 450 y diploma. Tercer premio, € 300 y diploma.

6. La organización del certamen designará un jurado cuya integración se conocerá en el momento de la entrega de premios, el cual estará compuesto por cinco personas de reconocido prestigio en el mundo de la docencia, la creación poética y la crítica literaria. Dicho jurado no mantendrá ningún tipo de correspondencia con los participantes, su decisión será inapelable, y tendrá la facultad de declarar desierta la concesión de premios en caso que ninguna obra alcance, a su juicio, una adecuada calidad literaria. Asimismo, podrá otorgar los accésits que considere oportunos.

7. Los trabajos no premiados serán destruidos una vez terminada la labor del jurado, con excepción de los que sean seleccionados para una posible futura publicación.

8. El plazo de admisión de originales comienza en la fecha de publicación de estas bases y quedará cerrado definitivamente el día 29 de febrero de 2012, considerándose como fecha de entrega la del matasellos de Correos correspondiente.

9. El jurado seleccionará los poemas finalistas antes del día 30 de abril de 2012, e informará con la debida antelación a los seleccionados para que puedan concurrir a la ceremonia de entrega de premios, que se realizará en lugar y fecha a determinar. En dicha ceremonia se leerán las obras finalistas y la ausencia injustificada a la misma, originará la pérdida de los premios en metálico.

10. El Liceo Poético de Benidorm se reserva el derecho de reproducción, difusión o comunicación pública de los poemas premiados, o su inclusión en alguna de las antologías poéticas que edita periódicamente.

11. Los participantes aceptan en su totalidad las presentes bases.

Benidorm, 1 de diciembre de 2011

Primer Premio de novela corta "Fundación Monteleón"

2012-01-02T09:00:00.000+01:00

Hasta el 31 de enero de 2012

Feliz 2012

2012-01-01T09:00:00.000+01:00

Francisco Javier Illán Vivas entrevistado en Sexto Continente, de Radio Exterior de España

2011-12-29T09:00:00.000+01:00

Audio del programa que dirige Miguel Ángel de Rus, Sexto Continente, en Radio Exterior de España, donde se entrevistó al codirector de Ágora papeles de arte gramático por la publicación de su novela de fantasía épica La Maldición y por la concesión del I premio de poesía Andrés Salom, al poeta Vicente García Hernández.

Pinchad AQUÍ.

Presentación de la Revista "Caravija"

2011-12-28T09:00:00.001+01:00

La Peña Huertana "La Crilla" presenta un nuevo número de su revista "Caravija", el jueves 29 de diciembre a partir de las 20,30 horas, en el Centro Cultural de Puente Tocinos, Murcia.

El número actual de la citada revista contiene un artículo, escrito por Manuel Herrero Carcelén, dedicado a la revista Ágora papeles de arte gramático.

Tras el evento se ofrecerá un vino y, por supuesto, patatas cocidas.

Feliz Navidad

2011-12-24T12:00:00.000+01:00

Concurso de Poesía Poeseu 2012

2011-12-19T09:00:00.000+01:00

Durante el Curso Académico 2011-12, la Sede Ciudad de Alicante cumple 10 años. Con motivo de esta celebración la Asociación AUCA, y la Sede Universitaria de Alicante convocan un concurso de poesía con el título: “Poeseu2012 Diez años de poesía en la Sede”

BASES

1- Podrán concurrir al Concurso “Poeseu2012. Diez años de poesía en la Sede”, las personas mayores de edad, de cualquier nacionalidad residentes en la provincia de Alicante. Los poemas presentados deberán estar escritos en lengua castellana o valenciana que exalten o reflejen la actividad cultural y literaria realizada en la Sede a lo largo de sus diez años de existencia.

2- Los poemas deben ser inéditos y no haber sido premiados en ningún concurso, ni certamen. Cada autor/a podrá presentar únicamente un poema

3- Los poemas tendrán una extensión máxima de 30 versos, deberán entregarse en papel (formato DIN A4) mecanografiados a doble espacio, por una sola cara, en cuerpo de letra de 12 puntos. Cada obra se presentará por duplicado. No se admitirá envío por correo electrónico. Los poemas seleccionados xx serán solicitados a los autores en versión electrónica posteriormente para su edición.

4- Los poemas se presentarán a concurso bajo lema o seudónimo acompañados de plica o sobre cerrado, cuyo interior debe contener: nombre completo y apellidos, dirección postal, teléfono fijo y teléfono móvil, correo electrónico.

5- Las obras deben de enviarse por correo postal.

Sede Ciudad de Alicante

Av. Ramón y Cajal, nº 4.

03001 Alicante

Indicando en el sobre

Concurso Poeseu2012

O entregarse personalmente en la secretaria de la sede, con idéntica leyenda en el sobre,

6- El plazo de admisión del concurso quedará abierto el 1 de octubre de 2011 y concluirá el 1 de enero de 2012. Con posterioridad a dicho día sólo serán admitidos a concurso aquellos envíos postales cuyos matasellos evidencien que fueron depositados en el buzón dentro de dicho plazo.

7- La Asociación AUCA de las Letras y la Sede Universitaria de Alicante designarán la composición de jurado, que realizará la selección de un conjunto de poemas entre los presentados. Como premio, la Sede Ciudad de Alicante organizará un recital con los autores de los poemas elegidos y efectuará una entrega de diplomas acreditativos,

8- Los poemas seleccionados podrán ser editados por la Sede Universitaria de Alicante, que dispondrá a estos efectos de los mismos. Los originales restantes serán destruidos, no admitiéndose peticiones de devolución.

9- El fallo del jurado será inapelable y oportunamente se hará público en la web: http://web.ua.es/sedealicante, se pondrá en conocimiento de los medios de comunicación y se comunicará a los autores de la obras seleccionadas, que deberán asistir al recital y a la entrega de diplomas.

El espejo como puerta a otras orillas

2011-12-16T09:00:00.002+01:00

Pedro Pujante
Espejos y otras orillas
Chiado editorial, 2011

Pedro Pujante se confiesa discípulo de Borges, de Cortázar, de Poe, de Chejov, de los grandes autores de cuentos de la literatura universal y considera, con ellos, que el relato es la forma más perfecta de narración, pues debe ser directo, contundente y eficaz. Él pretende retomar el testigo de la narrativa de Cortázar, dando su toque personal a las técnicas que el argentino ya utilizó en sus cuentos.

Y esas premisas ha querido dejar sentadas en su primer libro, Espejos y otras orillas, pero no sólo lo anterior, sino que como le gusta distorsionar la realidad, jugar con la fantasía, ha escogido el espejo como símbolo de lo dual, de la otredad, como le escuché durante la presentación del libro que nos ocupa en la Biblioteca Regional de Murcia.

El autor del prólogo, Joaquín Piqueras, ya nos lo adelanta: es un libro de relatos donde lo dual, el tema del doble, aparece muy a menudo, donde pasado y presente se mezclan hasta tal punto que muchas veces nos será difícil saber en qué tiempo nos encontramos; donde la vigilia y el sueño se confunden, donde la realidad y la ficción conviven, permitiendo que las obsesiones, o las locuras si se quiere, estén igualmente presentes entre los catorce relatos.

Alternancia de voces, narraciones paralelas, jugando con los lugares que de fantásticos puede que nos parezcan conocidos, pero el autor tensará un poco más el elástico de la ficción hasta el límite, donde sólo el buen degustador del cuento se sentirá a gusto, en ese confuso límite de la otredad, entre la niebla, dando lugar a cuentos tan bien directos, contundentes y eficaz como A la otra orilla, por poner un solo ejemplo.

Francisco Javier Illán Vivas

Ut pictura: Ramón Palmeral

2011-12-15T09:00:00.000+01:00

Antonio Parra Sanz presenta Polos opuestos, en Cartagena

2011-12-14T09:00:00.001+01:00

Será hoy miércoles, 14 de diciembre, en el Casino de Cartagena, a las 19,30 horas.

Más información AQUÍ.

Francisco Javier Illán Vivas participó en el homenaje al pintor Molina Sánchez

2011-12-13T09:00:00.001+01:00

El evento tuvo lugar, como ya informamos, el pasado lunes 5 de diciembre de 2011, en la sede de la Fundación Molina Sánchez, la Casa Díaz Cassou de Murcia.

El codirector de Ágora papeles de arte gramático, leyó dos poemas: La soga y otro sin título.

Cuentos para leer en Navidad

2011-12-12T09:00:00.001+01:00

Antonio Galera Gracia
Cuentos terapéuticos
PNL ebooks, marzo 2011

Cuentos terapéuticos se presentó en Molina de Segura el 27 de noviembre y representaba, para todos cuantos conocíamos la obra de Antonio Galera Gracia, un enorme giro en su creación, y así nos lo reconoció él, quien se definió como encasillado en la novela o ensayo histórico, sobre todo en las órdenes militares y religiosas.

Pero también nos desveló uno de los secretos que acompañan a estos catorce relatos: no fue escrito para ser editado, ni tampoco era un libro nuevo, ya que tenía más de once años. En efecto, en la Navidad del año 2000 quiso hacer un regalo diferente a las tradicionales tarjetas navideñas, y pensó en las muchas personas para las cuales la Navidad es un momento triste, pues echan de menos a algún ser querido que han perdido. Editó cien ejemplares y los regaló a sus amistades, a todas aquellas que sabía necesitaban encontrar en la lectura de estos cuentos un consuelo a su mal.

E, inesperadamente para él, el libro se hizo tan popular que no tuvo más remedio que entregarlo a una editorial para su publicación. ¡Ocho ediciones contemplaron aquella primera experiencia antes de que la editorial, por cosas de esta crisis inventada por políticos y banqueros, tuviese que cerrar! Con posterioridad, y ante el reclamo de nuevos ejemplares, PNL Books se puso en contacto con el autor nacido en Puebla de Soto, para reeditarlo dentro de su Colección excelencia humana, y así fue, habiendo respondido a las expectativas ya que va por tres ediciones desde marzo de 2011.

Cuentos terapéuticos no es un libro de autoayuda, sino que Antonio Gracia nos invita a encontrar el mensaje oculto en cada relato, conocedor de que sólo quien necesite el remedio lo encontrará, a pesar de que otros cien lectores no encuentren nada en ese mismo relato. Tampoco todos los cuentos son inventados, ya que algunos son basados en historias reales, como la de la molinense María Sánchez Rodríguez, cuya historia de superación y perseverancia se cuenta en el relato que cierra el libro, Nunca es tarde.

Un libro que, ahora, en la Navidad de 2011, puede ser muy apropiado para regalar a quienes creamos que pueden encontrar los mensajes ocultos por Galera Gracia en la lectura de cada uno de ellos.

Francisco Javier Illán Vivas

El sitio de Ágora papeles de arte gramático, en el puesto 17 del ranking de ebuzzing

2011-12-10T09:00:00.000+01:00

En estos convulsionados tiempos de ranking de deuda que sirve para enriquecer a unos pocos a costa de muchos, nosotros contemplamos como en el Top Blogs de ebuzzing (lo que antes era Wikio), este mes de diciembre de 2011 nos encontramos en el puesto 17 de la categoría Literatura, lo que enriquecerá enormemente a todos los lectores y lectoras que nos siguen y, sobre todo, a los más de trescientos autores y autoras que han colaborado con nuestra publicación en estos últimos años.

Gracias a todos ellos y ellas.

Volpi nos avisa contra las mentiras contagiosas

2011-12-09T08:00:00.001+01:00

Jorge Volpi
Mentiras contagiosas
Páginas de espuma
Madrid, 2008

Mentiras contagiosas, de Jorgte Volpi, es un buen libro sobre literatura, y no lo digo sólo por la sentencia sobre El Código Da Vinci: “apenas puede ser considerado una auténtica novela. La obra de Brown se parece más a un virus: una estructura que, robando memes de obras más sólidas, ha alcanzado una capacidad de multiplicación sin precedentes, semejante a una pandemia o un cáncer”, sino por que libros, escritores y lectores van, vamos, a encontrar motivos para leerlo.

Sin olvidar a los críticos: “es mejor una crítica negativa que el silencio... Sólo la indiferencia es mortal”.

Un libro que aún tengo mis dudas de cómo clasificarlo, podría ser una novela, podría ser un ensayo, puede que sea ambas cosas esta especie de réquiem por la novela, que sin embargo, no termina como parece que lo iba a hacer, todo ello con un fino sentido del humor que hace muy agradable su lectura.

Y, como no pretendo ser de esos críticos que en lugar de hablar de la obra en cuestión hablan de ellos mismos, de sus opiniones, de sus ideas, de lo que les parece cómo ha amanecido el día, o cómo anocheció el de ayer (escribo esta reseña a las tantas de la madrugada), pues recomendaré encarecidamente que el lector, el escritor, el crítico literario, el editor, el librero, todos, se den un paseo por estas páginas, que no son de espuma.

Lamento que Volpi, conforme avanza el libro, no sea capaz de mantener el mismo interés del lector, al menos, de este que escribe la crítica.

Pájaros negros en una antena para móviles de última generación

2011-12-07T09:00:00.001+01:00

Hace unos meses instalaron una enorme antena para móviles de última generación en el edificio de enfrente. Supongo que ahora no existirá un lugar en el barrio donde no pueda conectarme con el mundo cuando yo quiera. Eso es fundamental en los tiempos actuales. Pero hay algo en esa antena, algo que me atrae y me arrastra a pegar la nariz a la ventana… Ambos edificios están separados por la Avenida Diputación, mi edificio tiene una planta más, yo vivo en el penúltimo piso y mi visión de la azotea es recta, como si estuviese mirando a alguien, de igual estatura, a los ojos.

Es la primera vez que veo una antena para móviles en una azotea funcional. Es una imagen extraña: ver la sobrecogedora estructura de la antena con sus brazos metálicos, gruesos en la base y afilados en los vértices, apuntando al cielo, como un arma cósmica, rodeada por sábanas de todos los tamaños y colores, ondulándose con el viento, entre calzoncillos y bragas, estampados, lisos, ridículos, jerséis, toallas…Es una imagen extraña: ver a una mujer de unos cincuenta años con su barreño amarillo recoger la ropa seca, mientras a su espalda está esa mazorca gigante de metal, como un androide custodiándola.

Andrea se marchó hace unos meses, ahora vivo solo.

Pero lo que realmente me cautiva de la antena para móviles de última generación son los pájaros que se posan en sus ramas artificiales. Son medianos como una paloma, pero más estilizados. Son negros y tienen el pico afilado. Parecen cuervos pero no son cuervos. Parecen grajos pero no son grajos. Tampoco son… No los he visto en ningún otro lugar. Aunque quizás solo busco lo dramático.

Aún no estoy muy seguro, pero juraría que los pájaros negros pasan la mayor parte del tiempo detenidos en las ramas de la antena. Casi no se mueven. Y diría, no a ciencia cierta, que apenas buscan comida; es como si se resistieran a volar, no quieren perder la posición privilegiada que han conquistado, o porque el frío húmedo de las ramas metálicas les recuerda a la aspereza de las ramas de los bosques de antaño. No estoy seguro. Lo único que sé es que la antena para móviles de última generación siempre está custodiada por un ejército de pájaros negros. Es su fortaleza. Es su iglesia y su mausoleo.

Es hermoso comprobar a través de la ventana de mi habitación cómo se desea tanto una cosa. Todos esos pájaros negros aferrados a algo que no es normal, algo que parece ilógico, antinatural. Parecen algarrobas erguidas. Por la noche imagino a los pájaros negros en la oscuridad de la Avenida mientras mantengo mi habitación con la luz apagada. Palpo el cristal frío de la ventana y miro la azotea. Cuando me levanto es lo primero que busco, pero a la hora que sea allí están todos los pájaros, como espinas, como frutos negros perennes.

Todos los días me propongo subir a la azotea del edificio de enfrente, pero siempre ocurre algo y lo impide. Mañana será otro día. Pero algún día subiré y me sentaré en el suelo para observar a los pájaros negros en la antena para móviles de última generación, de cerca. Estudiaré sus garras y sus ojos y sus plumas y las palpitaciones de su corazón. Tal vez decida quedarme en una rama junto a ellos. Sin comer, igual de quieto, igual de negro y seguro.

Igual de tranquilo.

Salvador Blanco Luque

XVII Premio internacional de poesía Luys Santamarina- Ciudad de Cieza 2012

2011-12-06T09:00:00.001+01:00

Momento de la presentación del XVI premio literario y de la convocatoria del XVII, en la Universidad de Murcia (Más información AQUÍ).

LA AC. PUEBLO Y ARTE, CON EL PATROCINIO DEL EXCMO AYUNT. DE CIEZA, CONVOCA SU XVII PREMIO INTERNACIONAL DE POESÍA
LUYS SANTAMARINA-CIUDAD DE CIEZA 2012,
con arreglo a las siguientes BASES

1- Podrán participar todos los poetas que lo deseen, de cualquier nacionalidad, con un sólo trabajo inédito, en español y que no haya sido premiado en ningún otro certamen poético.

2.- Las obras serán presentadas mecanografiadas, a doble espacio, o por ordenador, a una sola cara en tamaño A4, por triplicado y grapados,. Se ajustarán a una extensión mínima de 600 versos y máxima de 1000..

3.- Los poemarios tendrán que enviarse certificados antes del Día 31 de marzo de 2012, haciendo constar en el exterior la indicación del premio a la siguiente dirección: No se admitirán los envíos por ordenador.
XVII PREMIO INTERNACIONAL DE POESÍA
LUYS SANTAMARINA-CIUDAD DE CIEZA 2012
A:C: Pueblo y Arte.
Tlf. 868 96 00 37 - 663 36 56 54
Apdo. De Correos 217 -30530-Cieza (MU) España

4.- El Premio Internacional de Poesía está dotado con 750 Euros y la publicación en primera Edición bajo derechos de la A.C. Pueblo y Arte, que convoca este certamen.

5.- Los trabajos se presentarán al concurso, en su modalidad de PLICA. Remitiendo en un sobre los poemarios, e introduciendo otro sobre, menor, con la ficha personal del autor, Nº de cuenta, telf. de contacto y dirección postal o electrónica.

6.- El fallo del Jurado, que será inapelable, se hará publico en un acto organizado y anunciado oportunamente por la Asociación, alrededor del Día del Libro, abril de 2012, pudiéndose conceder a juicio del Jurado, un máximo de dos Acésit ( Diplomas acreditativos), sin dotación ni publicación de los mismos.

7.- Los autores premiados serán informados inmediatamente, así como la fecha de presentación de la obra ganadora en lugar y fecha indicada a tiempo. El hecho de participar en esta Convocatoria, implica la aceptación de las presentes Bases.
CIEZA, 21 DE NOVIEMBRE DE 2012

Homenaje poético a Molina Sánchez, en la Casa Díaz Cassou, Murcia

2011-12-05T09:00:00.002+01:00

Lunes, 5 de diciembre, a partir de las 19 horas.

Fundación Molina Sánchez , Calle Santan Teresa nº 21 (Casa Díaz Cassou), Murcia (Spain).

Varios de los autores que participaron en el libro "República Poética", ilustrado por el pintorMolina Sánchez, le darán un homenaje póstumo de agradecimiento por la que fue su última actividad artística:

Cristián Mínguez,
Francisco Javier Asturiano,
Irel Faustina Bermejo,
Josefina González Espuche,
Julia Pilar Fernández Conejero,
Francisco Javier Illán Vivas,
Isabel Grima,
Jesús Pablo Guillamón,
Hipólito Romero.

Más información AQUÍ.

"Que no haya mensajes a la deriva...", de José María Piñeiro, ganador del Premio Literario Andrés Salom. Categoría D: Ensayo breve

2011-12-04T09:00:00.004+01:00

FALLO DEL PREMIO LITERARIO ANDRÉS SALOM EN LA CATEGORÍA DE ENSAYO BREVE:

Reunidos los miembros del jurado, el miércoles 30 de Noviembre de 2011, en Murcia, se decidió otorgar los siguientes Premios:

PREMIO ANDRÉS SALOM DE ENSAYO BREVE al mejor artículo o ensayo breve publicado en la revista Ágora papeles de arte gramático, en 2011, a "Que no haya mensajes a la deriva. A propósito del poema "Carta" de Miguel Hernández", de José María Piñeiro Gutierrez.

Accésit: "Justicia poética: A propósito de "Cuadernos·, de José María Millares Sall", de Coriolano González.

Jurados
Andrés Salom
José Luis Martínez Valero
Maximiliano Hernández Marcos
Ana Delgado Cortés
Joaquín Piqueras García
Francisco Javier Illán Vivas
Fulgencio Martínez

Los miembros del Jurado quieren insistir en que estos Premios tienen por objeto fomentar la lectura de los autores premiados y que han valorado tanto los publicados en la versión digital de la revista como en la impresa.

"El árbol de don Deogracias", de Venancio Iglesias, ganador del Premio literario Andrés Salón. Categoría C: Relato.

2011-12-03T08:00:00.001+01:00

FALLO DEL PREMIO LITERARIO ANDRÉS SALOM EN LA CATEGORÍA DE RELATO:

Reunidos los miembros del jurado, el miércoles 30 de Noviembre de 2011, en Murcia, se decidió otorgar los siguientes Premios:

PREMIO ANDRÉS SALOM DE RELATO al mejor relato publicado en la revista Ágora pápeles de arte gramático en 2011, a "El árbol de don Deogracias", de Venancio Iglesias.

Accésit: "Los relámpagos", de Pepe Pereza.

Jurados
Andrés Salom
José Luis Martínez Valero
Maximiliano Hernández Marcos
Ana Delgado Cortés
Joaquín Piqueras García
Francisco Javier Illán Vivas
Fulgencio Martínez

"Materia elemental", de Vicente García Hernández, ganador del Premio literario Andrés Salom. Categoría B: Poesía

2011-12-02T08:00:00.002+01:00

FALLO DEL PREMIO LITERARIO ANDRÉS SALOM EN LA CATEGORÍA DE POESÍA:

Reunidos los miembros del jurado, el miércoles 30 de Noviembre de 2011, en Murcia, se decidió otorgar los siguientes Premios:

PREMIO ANDRÉS SALOM DE POESÍA al mejor poema publicado en la revista Ágora papeles de arte gramático en 2011, al poema "Materia elemental". de Vicente García Hernández.

Accésit: "Les Nimphéas", de José Ángel Cilleruelo.

Menciones especiales: "Calle Caronte", de Enrique Gracia Trinidad; y "Templos de agua", de Katy Parra.

Jurados
Andrés Salom
José Luis Martínez Valero
Maximiliano Hernández Marcos
Ana Delgado Cortés
Joaquín Piqueras García
Francisco Javier Illán Vivas
Fulgencio Martínez

Salto a la fama

2011-12-01T09:00:00.000+01:00

Saltó a la fama de una forma inesperada: cuando el periódico publicó su esquela de fallecimiento. Aquella esquela no era de las grandes, de esas que ocupan toda una página, pretenciosas hasta para anunciar la muerte, sino discreta, como discreta había sido su vida. Debajo de su nombre y del D.E.P., en negrita, aparecían las consabidas frases de pésame: “Su afligida esposa...”, “Sus apenados hijos...”, etc. Más abajo de las fórmulas protocolarias de condolencia se daba noticia de la casa mortuoria y del tanatorio donde pasaría su última noche en compañía de los vivos. El abuelo, con su manía de consultar este tipo de eventos, nos dio la noticia. Así nos enteramos de su muerte. Luego recibimos la llamada de un amigo común; después llamamos nosotros a la viuda; poco más tarde nos dirigimos al tanatorio.

Era un hombre que frecuentaba los submundos de la literatura. Al jubilarse decidió dedicar parte del tiempo que le quedaba a sus dos aficiones, como él decía fundamentales, las que tuvo aparcadas a la largo de su vida profesional no sin pena: tocar el violín y escribir poesía. Por las tardes se encerraba en un pequeño cuarto y delante de una partitura acariciaba las cuerdas de tripa de gato con virtuoso esmero, o leía y componía poemas que sabía no le harían famoso. Lo conocí con motivo de esta segunda afición, pues al igual que yo frecuentaba ciertos antros oscuros en donde se realizaban lecturas de poemas o se presentaban libros que algunos pretendían poéticos, o algo parecido. Hombre amable e impecable, no recuerdo exactamente quién me lo presentó, pero sí puedo decir que me ganó pronto por su simpatía y exquisitez de trato, no al uso del común o de ciertos versadores, bajos, sebosos, y con mellas en la boca debido a su alcoholismo, que se creen, a parte de buenos poetas, graciosos a todas horas y dotados de ingenio. “Un caballero de los antiguos”, lo definió Blanca en una ocasión. “De los de antes de la guerra”, diría mi abuela si hubiera vivido para conocerlo.

Aunque resulte extraño en estos tiempos en los que abunda la dureza y crueldad desorbitadas, en los que nadie mira por nadie sino por sí mismo y únicamente se vocea cuando están en juego los propios intereses, era uno de esos seres especiales que de pronto surgen no se sabe de dónde, los otorga la naturaleza como don no merecido para el resto de los humanos, o quizá Dios, que aún se sigue apiadando de nosotros aunque no lo merezcamos. Podía hablar mucho y bueno de él. No se dejaba arrastrar por los cantos de sirenas o las pequeñas cenizas de la gloria, menos aún por las cuestiones del mezquino dinero. Pasó por la vida haciendo el bien y disfrutando de los pequeños placeres que proporcionan la amistad, la conversación distendida, el tabaco y el whisky. Fue un epicúreo en el sentido más noble que puede tener este término. De estúpidos o malas personas hubiera sido no reconocer su mérito, su valía como persona.

Se me agolpaban muchos recuerdos camino del tanatorio y los comentaba con Blanca, un poco triste ella también. Hablábamos de las excelencias de su carácter; hablábamos de su generosidad; hablábamos del sentido profundo que tenía de la amistad; hablábamos de su soledad. De los siete hijos que tuvo ninguno le acompañó a sus recitales, ni la mujer, su Juani, como él decía. Comentábamos la poca fortuna que habían tenido sus escritos; no eran ni buenos ni malos, pero de seguro más dignos que otros a que hacen alusión las reseñas de revistas especializadas. Había publicado dos libros de poemas que pasaron totalmente desapercibidos, ni siquiera tuvieron una breve mención en periódicos de esos que se regalan por las calles. Esto a él no le preocupaba; no había pedido favores y esperaba, seguía esperando, que algún crítico de amistad confesada finalmente dijera algo en algún sitio; de palabra, en conversaciones de barra cuando era él quien invitaba, ya había recibido numerosos elogios y palmaditas en el hombro. Me apenaba su muerte, y a este sentimiento se añadía otro que no me dejaba tranquilo. Lo podría llamar de ingratitud; ingratitud de la vida. La vida había sido especialmente ingrata con él en lo tocante a que se vieran cumplidas ciertas esperanzas, las del triunfo poético, esa pequeña vanidad.

Llegamos al tanatorio. La viuda con los ojos enrojecidos, la tristeza reflejada en el rostro, pausados sus ademanes, nos recibió con la dulzura triste con la que reciben las viudas. Le dimos un sentido pésame, pero nos dio la impresión de que no era muy consciente de lo que realmente sucedía; estaba en otro lugar, pero no allí. Atisbé en derredor de la sala por si veía a algunos de los compañeros de viaje en esto de las lides poéticas, con la intención de poder hablar con persona conocida; no vi a nadie. La compaña del finado se reducía a sus familiares directos, una serie de mujeres parlanchinas y unos cuantos viejos, era hora de trabajo y se entiende. No pude reprimir el vago pensamiento sobre la suerte que yo tenía al haber ingresado recientemente en las filas del paro y de esta manera tener sobrado tiempo a mi disposición, aunque fuera para asistir a funerales.

No quisimos verlo; queríamos conservar una imagen agradable de él; una imagen de vida, no de muerte. Nos sentamos en un rincón de la sala y nos dedicamos a observar en silencio. Captamos la atmósfera enseguida; con las miradas nos hicimos alguna seña.

Fui percibiendo retazos de conversaciones, miradas esquivas, gestos sutiles, gruesos ademanes, insinuaciones... En la familia se había declarado una secreta pugna por el poder. Las matriarcas (las hijas del finado, en número de cuatro) se habían tirado al ruedo y pugnaban por ser la primera, y última, en aquella extraña fiesta en que señoreaba la muerte como única reina; los hijos andaban por ahí saludando entre corrillos, entrando y saliendo de la cafetería y contando chistes. La hija retrasada se había atornillado en una silla, así lo parecía, que de manera estratégica había situado para atisbar el pasillo a la vez que controlaba la sala. Esta hija desarrolló un comportamiento muy curioso: Si la viuda lloraba, la acompañaba con suspiros; si la viuda sufría desfallecimientos, ella también; si abanicaban a la viuda, quería que hicieran lo mismo con ella... Encargó la hija mayor un ramo de flores (el más grande, así se lo dijo al florista según confesó a voz en cuello) y dio órdenes para que lo colocaran encima del féretro; corrigió la segunda hija, y pusieron el ramo en un lateral; la hija que quedaba no subnormal, muy marimandona, mostró su desacuerdo y terminaron colocando el ramo delante del cristal que separaba el camarín donde se encontraba el finado de la sala donde nos hallábamos los feudos. “Así lo puede apreciar todo el que entre”, dijo la marimandona. A continuación llegaron más ramos y coronas.

Una sobrina se hizo de notar y dijo que la pérdida de su tío era irremediable. “Ya descansa, el pobre, ¡con lo bueno que era!”, soltó alguien. “Qué pena, qué pena…!”, vino a descerrajar una voz rajada, un tanto alcohólica, quizá de gitano. De repente, se enmudecieron las chácharas; el hipo de la viuda se dejó sentir, lloraba desconsolada. Fue entonces cuando le aconsejó la cuñada, arropándola con un abrazo: «Si no tienes ánimo, Juani, no veas a tu marido». Y añadió: “Tienes que acostumbrarte, Juani”.

Una mujer mofletuda, gorda, que debía de ser amiga de la familia, metió las manos disimuladamente en el bolso que acunaba encima de su regazo y afanosa comenzó a operar en su interior, y en el silencio tenso, rumoreante e hipado, se extendió un incógnito crepitar —cras, cras… cras, cris cras… cras, cris…—. Al cesar los estridulos, sacó una de las manos del incatalogable bolso y se echó algo a la boca de forma rápida. Clips, clips, clips, claps… rumoreó su boca mientras la movía con fruición.

En estas, entre tan musicales acordes, entra una mujer de edad indefinida, dado lo generoso de su maquillaje, con un peinado reciente de peluquería (un moño hiperbólico o algo así, con flor grande y roja en lo alto), los ojos relucientes entre los polvos de sombra, labios de carmín y cubierto el cuerpo de alto en bajo con un abrigo negro de visón. Garbosa, se dirige a la viuda y le estampa dos sonoros besos en las mejillas. Después le dice con voz audible:

—Juani, querida, ya iba siendo hora de que nos viéramos, aunque sea en estas circunstancias, cuando tu marido ha saltado por fin a la fama.

—¿Ha saltado a la fama? —pregunta estúpidamente la viuda, falta de reflejos y cesando el hipo.

—Al ser lunes su esquela la ha leído todo el mundo —le replica la mujer del visón, resuelta.

Eso dice, de veras. Yo lo he oído; Blanca con un ligero toque de ojos me confirma que también. Luego dice otras cosas, y otras, y otras. No para de hablar y de decir gilipolleces en aquella sala, con él allí presente. ¿A quién le importa el fútbol? Mientras de los ojos de la viuda cae una lágrima seca, no me importa lo que dice aquella mujer indefinida de pestañas postizas, ojos relucientes, labios de carmín y vestida con abrigo de relumbrante visón. Yo ya he desconectado.

Jesús Cánovas Martínez

Vuelta al lugar donde se hicieron las preguntas (I)

2011-11-30T09:00:00.000+01:00

¿Para qué queremos el arte?, se plantea el autor de este ensayo. Fijar lo excelente, salvar el tiempo, representar el ensueño y lo anticipatorio del hombre fueron,entre otros, los fines del gran arte.

Enlazando con el anterior dossier, dedicamos este artículo en homenaje al “romántico tardío” Bécquer. Nos proponemos presentar, en una primera entrega, las ideas estéticas de los teóricos del primer movimiento romántico, Friedrich Schlegel y Friedrich Schelling. Ambos compartieron socialmente un mismo nombre, vivieron un tiempo en la misma ciudad (Jena), enseñaron en esa misma Universidad, recibieron la enseñanza de Fichte, pero, sobre todo, amaron a la misma mujer.

La lectura de sus ideas creemos que es útil para entender la historia del arte y de la literatura de los siglos XIX y XX, en los que estuvo vigente y en constante crisis creativa y transformación la Modernidad, y nos puede ayudar a aclararnos sobre la cuestión del arte, que en la actualidad nos preocupa.

En la primera entrega de este estudio revisaremos el programa romántico de F. Schlegel y lo “inconsciente” del arte según Schelling. En una segunda, nos plantearemos la necesidad radical de pensar, desde hoy, el sentido del arte. Por fin, en una tercera entrega, el diálogo con los dos autores románticos se contrastará con la reflexión de Martín Heidegger, que ilumina como desde una luz futura muy remota el sentido del arte en la época técnica.

La Escuela de Jena introdujo en Alemania el llamado “romanticismo temprano”. Aquella Escuela estética arrancó del impulso teórico de Friedrich Schlegel y culminó en Schelling, agente de una verdadera revolución desde dentro del proyecto ilustrado que había creado el primer programa de Modernidad.

El absolutismo estético de Schelling lo llevó a propiciar una relación nueva del arte con la naturaleza, en la línea del Romanticismo, y más tarde, a situar el arte en la órbita del mito y la revelación. La llamada de Schelling a la naturaleza vital y orgánica, y finalmente, al genio, síntesis de arte y naturaleza, deja abiertas innumerables zonas de interés para la Modernidad – lo inconsciente en el arte, la implicación del arte con el mito, y la muerte del arte en el mito, y sobre todo, lo que a nosotros nos interesa más, el replanteamiento de la “esencia” del arte desde la historia y la sociedad.

Para seguir las ideas de Schelling, hemos de remontarnos al contexto de origen del romanticismo temprano. Éste surge en torno al año 1797 en Jena; en su configuraración son decisivas las ideas de Friedrich Schlegel sobre la poesía griega y, principalmente, sobre lo romántico como poesía progresiva universal; la obra Enciclopedia, de Novalis, y las Lecciones sobre arte y literatura dramática, de August W. Schlegel. En pintura, su máximo exponente es Caspar David Friedrich, autor del célebre cuadro “El monje frente al mar”.

FRIEDRICH SCHLEGEL, JENA, 1797

Las cartas de Friedrich Schlegel en la revista Athenäeum constituyen el primer programa del Romanticismo, la primera expresión de una “vanguardia “ moderna.

Las señas del programa romántico, tal como lo formuló F. Schlegel (lo subjetivo, el fragmento, lo interesante, la pérdida de homogeneidad del arte) las podemos entender mejor en una perspectiva histórica: entenderlas significa la necesidad de hacer una crítica de sus aportaciones desde nuestra actual situación, y valorar en qué medida son responsables, aquellas ideas, de la presente crisis del arte, o, por el contrario: en qué medida mantienen un impulso fértil que, momentáneamente sólo, se halla hoy parado y oscurecido.

Repasaremos las principales características del concepto de arte (incluido el arte literario) que trae el programa romántico, abriendo una era, construyendo una habitación en la que todavía nos encontramos: aun con estrecheces, para unos; sin paredes ni ventanas, para otros; o con los cimientos en el aire, sin fundamento ya, para los más radicales críticos de la Modernidad.

Partimos de la premisa de que en 2011 nos hallamos aún en el límite, o sea, fuera y dentro a la vez, de la llamada Modernidad, que fue fundamentamente romántica en el sentido que tanto Schelling como Friedrich Schlegel decidieron, en pugna con las ideas de un cierto clasicismo romántico, más sereno, menos “subjetivo”, de Kant y de Goethe; una Modernidad que se reinventó con Baudelaire y el Simbolismo -segunda o tercera Modernidad, y en el contexto de la ciudad moderna del siglo XIX y cuyas secuelas fueron las Vanguardias de principio del siglo XX.

No consideramos la “Posmodernidad” nada más que como el cansancio de un final de etapa, un período interesante pero donde aún no se daban los ingredientes ni la necesidad urgente, que puede despertar energía, de plantear las preguntas decisivas. No hubo en ese período efímero posmoderno, tanto en el arte como en la teoría de finales del siglo XX, una focalización hacia el futuro. De ahí que sus producciones no tuvieron una raíz viva, quedaron, muchas veces, en puro juego deconstructivo, y se agotaron al volver el empuje de las preguntas. La Postmodernidad no enterró la Modernidad; al contrario, hoy comprobamos que, tras el desvanecimiento de los gestos posmodernos, reaparece con más virulencia el debate con el fantasma de la Modernidad, tanto en política, en derechos humanos, en economía, como en arte.

CRITICA DEL PROGRAMA ESTÉTICO DE F. SCHLEGEL

1. El Romanticismo, y por tanto, la primera Modernidad, trae una medida nueva de valor en todo: lo subjetivo. La primera nota del programa de Friedrich Schlegel es, en efecto, el énfasis en lo subjetivo; entendido, ahora, como lo individual; y no como agente humano general de la subjetividad trascendental tal como la entendieran Kant y Fichte. Este es un cambio importante. Se produce una ruptura entre el sujeto o Yo trascendental (lo subjetivo de la Razón, válido para cualquier individuo) y el sujeto individual, fragmentado, copia del individualismo burgués que comienza a extenderse.

Se necesitará, más tarde, recomponer la síntesis del Individuo y la Humanidad, se necesitará ver lo individual también como una unidad orgánica, un microcosmos; y para ello Schelling apelará a lo orgánico de la naturaleza en busca de reestablecer la armonía entre el individuo y el todo (de las capacidades humanas, de la sociedad y del cosmos).

De este modo, se establecerá una dialéctica que tendrá largas consecuencias en la Modernidad; aun más evidentes cuando, en la línea de Schelling de lo insconciente natural - que continúa en Nietzsche y Freud-, se sobrepasa lo individual desde dentro, por así decir, del propio recinto del concreto individual: en consecuencia, el individuo, el único (que diría Stirner), el individualista burgués ya no puede ser un átomo, o mónada independiente; está superado por la fuerza irracional que domina su psiquismo, así como la obra de arte.

2. Lo segundo es la valoración del fragmento, en consonancia con el principio subjetivo de este estética. Este nuevo registro hace aflorar pronto una tensión que va a recorrer internamente la primera Modernidad romántica y dejará aún su impronta en el posromanticismo. En la estética moderna se manifestará la dialéctica entre lo fragmentario y la aspiración a la obra de arte orgánica, total (como en Wagner). En el fondo, se aspira, ya desde Schlegel, a que el fragmento sea un microcosmos donde se lea el todo en conexión necesaria. La propia escritura fragmentaria, aforística, de Nietzsche, es compatible con su admiración por la obra total.

Esta situación se mantiene hasta que a mediados del s.XIX, en París y en otras capitales donde avanzó la segunda Revolución Industrial, no se asuma la ruptura total del individuo, su aislamiento, y su nueva condición de flâneur, en un nuevo medio, la ciudad, a la que en el fondo le es tan indiferente, como lo es ella al artista, que sólo repara en lo anecdótico, en lo inesencial o inútil, en aquellos aspectos urbanos que le son afines, pero ahora asumidos como categorías estéticas. Pero eso ocurrirá con Baudelaire, con el comienzo de nuestra Modernidad. “La desesperanza fue el precio de esta sensibilidad, la primera en abordar la gran ciudad” (W. Benjamin, “Notas sobre los cuadros parisinos de Baudelaire”). En el maravilloso cuadro de Coubert, “L'atelier du peintre” (1855), vemos a Baudelaire leyendo, en la esquina derecha de la tela: se diría que ajeno a cuanto le rodea y, en realidad, inagurando el paradigma de la actitud intelectual crítica.

No sin cierta conciencia crítica, malestar en la cultura (Freud) y nostalgia del ideal y de la unidad perdida, esta modernidad, que se orienta plenamente en lo artificial, en la ciudad como foco, continúa hasta las primeras vanguardias que surgen en el primer tercio del siglo XX, inmediatamente antes y después de la Primera Guerra Mundial. Se ha podido leer la Primera Guerra Mundial (e incluso la segunda) desde el malestar inconsciente hacia la ciudad moderna (de las multitudes masificadas, deshumanizadas), desde un instinto civilizatorio tanático, de destrucción de las propias grandes urbes que la civilización moderna había creado y cantado. Esa contradicción está in nuce en el malestar del artista moderno y en su nueva posición ante la ciudad: de amor-odio.

Hemos pasado de Jena o Weimar y de su pequeño núcleo artístico, intelectual, a las grandes ciudades modernas, París, Berlín, Londres, Nueva York. Desde la perspectiva del tiempo, es como pasar de la pequeña polis de Atenas a los Estados modernos.

El romanticismo alemán partía, por tanto, en sus proyectos e inquietudes, de un marco que será pronto superado. Pero ese romanticismo nos dejará siempre una sospecha de crítica a lo moderno, una nostalgia idílica de una cultura más próxima a lo natural. El idilio es, precisamente, una de las salidas que propone Schlegel para la reconciliación del individuo.

3. El tercer aspecto de la primera estética moderna y del programa de F. Schlegel es lo característico, lo interesante, como categoría contrapuesta a lo bello. ¿De dónde surge esa nueva categoría? Ya Herder en 1784 toma conciencia de que los griegos, los clásicos, no pueden ser superados. Schiller estableció la distinción polar, en la poesía, entre lo ingenuo (antiguo) y lo sentimental (moderno);esa dualidad engendra, a partir de Schlegel, nuevas polaridades: lo antiguo y lo moderno, lo objetivo- subjetivo, lo instintivo-lo reflexivo, la totalidad y la fragmentación; lo clásico y lo romántico, y, en fin, lo bello y lo interesante.

Lo interesante está, evidentemente, relacionado con lo subjetivo, el primer aspecto estudiado. Ello genera un trasvase, en la estética romántica, de la estética ilustrada kantiana del gusto a la estética del genio. Importa estudiar esta nueva mitología del genio, casi glorificación del artista, expresión del inconsciente de la naturaleza, tanto antes de Schelling, como sobre todo en Schelling, y en su radicalización, en Nietzsche, también hasta donde llega con Baudelaire y el artista maudit de Verlaine. La estética del genio pasa, a grandes rasgos, por ser la nota más sobresaliente del arte moderno, de la era en que el Artista es presentado (y se autopresenta) como un dios. Pronto como un loco genial, como un enfermo social, como un marginado egregio, como una víctima, en fin, de la sociedad.

En esa dinámica se vacía y ridiculiza o caricatura la estética moderna, que acaba presentando al artista como un dios menor imbécil, idiota (un privado átomo antisocial) y por último, con una pose de imcomprendido, autovictimista, decadente.

Lo moderno, en el siglo XX, intentará recuperar la visión de la posición del artista como una persona normal (no un personaje): a veces, otorgándole una función nueva dentro de lo social (como en el realismo soviético), o, como en las vanguardias más burguesas, presentándose asociado con lo popular, con cierta crítica hacia el burgués que lo había alienado anteriormente, para que el que trabajaba o ante el que se sentía marginado y maudit. Ese descendimiento del genio a lo popular se observa en la anécdota que cuenta Pío Baroja sobre Ramón Gómez de la Serna, el gran vanguardista español -quizá, el único-, quien se acercaba al Rastro madrileño y recogía diálogos de los tipos populares; junto a los cuales él, el escritor, aparece siempre vestido de Ramón Gómez de la Serna, de artista.

Esta marca-frontera del dandismo, del traje, lo hereda aun el modernismo vanguardista de Baudelaire, y el mentor del arte por el arte, Oscar Wilde; en ellos, aún, el dandismo del atuendo y la pose es marca romántica antiburguesa; en el siglo xx es un resto de la conciencia de sí del artista, de su característica subjetividad.

Mientras que el gusto kantiano proponía un distancimiento del juicio estético respecto a lo individual, y suponía la participación de una comunidad de conocedores estéticos en unas notas sensibles comunes de la experiencia estética; en cambio, con los románticos campeará cada vez más la estética del genio, sujeto de una moral aristocrática y capaz, como un dios, de descubrir e imponer sus valores y su coloración subjetiva a la naturaleza y al arte, que como formas objetivadas, cosificadas de lo natural, están siempre por debajo de su capacidad genial, instintiva, natural, que le permite captar la verdadera naturaleza del mundo.

La estética kantiana, ilustrada y burguesa, propone una comunidad (bien que no democrática ni popular, sino de exquisitos); el romántico reacciona hacia lo individual del genio. Ello acarrea dinámicas muy interesantes para la modernidad; es responsable, en una gran medida, de la fetichización del arte, del alejamiento del arte respecto a la sociedad, y asumiendo en el genio, en el artista, toda la dimensión estética humana, de romper el proyecto ilustrado de educación humana a través de lo estético, que Schiller formuló magistralmente en sus Cartas sobre la educación estética.

La asociación del arte con la mercancía, en la época moderna, se producirá de modo irreversible: éste es un aspecto de la muerte del arte, para las vanguardias, que se suma a la conciencia de su vacío de contenidos y a su pertenencia a una época superada de expresión del espíritu (tema que arranca, de forma paradigmática, con Hegel y su reflexión sobre la muerte-superación del arte, y que aun continúa, en la supervivencia del arte de nuestros días, en relación con los medios técnicos nuevos de reproducción artística y con los actuales medios que incluso rompen o diluyen el concepto mismo de creación artística en un continuum de imagen casi siempre banal donde se resume la contaminación estética del mundo).

Si el arte tendía, desde su principio, a una representación de sí del hombre, desde la imaginación creadora (casi siempre con una función anticipatoria, en todo caso como protesta, testimonio contra la fugacidad y contingencia del mundo y del mundo humano: el arte fijaba el tiempo, el instante, lo significativo, lo salvaba), en cambio ahora, en el nuevo continuum de imagen, el arte se vacía en lo fugaz y pierde incluso su propio contenido, siempre superado por sus medios técnicos: ni siquiera lo anticipatorio le es propio en sí, pues, por más que quiera el arte actual, lo técnico, que pasa de ser medio a ser protagonista, va más de prisa: en suma, tanto la capacidad anticipatoria como el contenido funcional, que sin más remedio hemos de llamar idealizador del arte, se ponen en crisis en la época actual.

Incluso hoy observamos, con cierta sonrisa, el valor de las experiencias dadaístas, del arte del momento fugaz, de los happenings, que suponían una crítica, en su momento, al arte cosificado, al arte-mercancía. Desde la expresión la muerte del arte, abogaban en realidad por su conservación, así creemos que el dadaísmo tenía conciencia de lo que se perdía de la esencia del arte en la era mercantilista y sus provocaciones eran un toque de atención. Lo mismo en los futurismos, de Marinetti, en el creacionismo, de Vicente Huidobro, hasta en el surrelismo de Breton, se trataba de recuperar la visión anticipatoria, proponer o señalar un contenido hasta entonces no reparado (el mundo moderno, las máquinas, la velocidad, en el futurismo; lo insconciente, en el surrealismo).

Hoy, la anticipación del contenido está rebajada, sobrepasada, por la aceleración técnica, por la imagen neoartificial, y el engaste del arte en su medio técnico. En consonancia, por otro lado, se ha llegado a una crisis del órgano ideal del arte (incluso hasta el impresionismo, que captaba lo instantáneo, se lo propuso y tenía ese órgano de visión). ¿Por qué esa crisis del órgano? Porque el arte hoy no ve con su propio órgano, si no con el de la técnica. Vivimos en la ceguera del arte, en la noche del arte: es otra forma de muerte del arte.

4. El cuarto aspecto de la estética romántica es la pérdida de la homogeneidad (tanto en las partes que integran la obra como en el gusto del período). Tiene consecuencia para la creación de géneros híbridos que propugnan los románticos. Frente al estilo como orden estable de un época, priman las maneras individuales de los artistas (esto en relación con el aspecto antes estudiado: el gusto tiene que ver con el estilo, con un consenso racional estético de una comunidad de conocedores; la manera, con el genio, con lo individual como fuente aristocrática de valor). Hasta este extremo puso el Romanticismo el arte. En esta cuarta condición del arte moderno se sostiene aún su máximo interés, sobre el “talón de Aquiles”, sin embargo, del genio, capaz de crear como desde la nada una nueva manera. Adiós al arte tranquilo, pero adiós, también, a cierta idea más comunitaria del arte, en lo sucesivo echada vagamente en falta tanto para la supervivencia del propio arte como por los receptores de las genialidades.

¿QUÉ FUNCIÓN TIENE EL ARTE?

Comienza la carrera de los pluralismos formales, de la renovación incesante del arte, casi al compás de la aceleración tecnológica y el desfasamiento de cada nueva manera por otra moda o manera artística.

Platón señalaba ya, en Cratilo, esta característica de la técnica (techné-arte) humana, a la que domina su fin-función (que no es inmediatamente la utilidad, sino la idea) y que hace posible la separación de artes, bajo el criterio de su función: desde las más utilitarias (cuya idea se reduce a la representación de un utilidad óntico-óptica práctica, incluso en lo cotidiano, como es el cuchillo para cortar) hasta la idea-fin a que se dirigen otras técnicas que intentan satisfacer una necesidad de contenido más complejo dentro del psiquismo humano y la cultura: como es fijar lo excelente, salvar el tiempo, representar el ensueño y lo anticipatorio del hombre, en fin, el gran arte. Pues bien, decía Platón, que en todos los casos, desde lo más toscamente utilitario a lo que tiene un fin más “elevado y complejo”, en todas las técnicas, el principio de dirección es un eidos o idea que representa el fin, la función para la que queremos el arte.

Para qué queremos el arte, se plantearán ya los contemporáneos (para que la verdad no nos mate, dirá Nietzsche; como refugio y consuelo del dolor de existir, Schopenhauer. O para ejercer nuestras capacidades naturales estéticas, como juego (Schiller, juego en sentido formativo); o, según un gran sector de la estética vanguardista del siglo XX (que categoriza Ortega y Gasset en el concepto de deshumanización del arte), como juego lúdico, sin un plan de Bildung, pero que también tiene una función: desautomatización de la vida, desmecanización de lo vital, reinvidicación del humor. En todo siempre una función, el problema es cuál es en el mundo actual).

El arte es siempre representación (con contenido metafísico y anticipatorio), es una aspiración que se dota de un saber o pericia objetivadora, poiesis, de una competencia para rivalizar en naturalidad, ambición, profundidad metafísica y, en el fondo, anticipación cultural, con los mitos. El mito de Ícaro responde a la necesidad profunda humana de volar, que cuando no se puede realizar por el arte, se expresa en el mito. Igual que en los sueños.

Por otra parte, se entiende la obra, la realización técnica concreta, como un momento, siempre precario, superable de esa aspiración. El progreso artístico está inscrito en el origen de la techné occidental. Supuestamente, mientras que en otras culturas la relación entre el fin (idea-función) y necesidad práctica, que mediatiza la obra concreta, se acaba en ésta, no avanza; en cambio, en la cultura occidental está impreso, ab origine, ese progreso que es consecuencia de una insatisfacción respecto a la mediación de la obra respecto a la idea y la necesidad cultural, antropológica.

Estos son los grandes rasgos de la “esencia” del arte occidental, fundamentalmente metafísica, progresiva, humanizante, educadora: ninguno de los teóricos modernos renuncia, a pesar de sus distintas interpretaciones, a ese concepto elevado del arte.

SCHELLING, LO INCONSCIENTE, EL MITO

Curiosamente, como hemos dicho, los mitos cumplen de forma supuestamente más natural la función anticipatoria y expresiva del ensueño, que el arte cumple de forma artificial, pero objetivada (en una obra).

El deslizamiento de Schelling hacia la valoración del mito (de la revelación, de la religión), abre el camino a la valoración, por Freud, de lo insconciente, del sueño. Supone, en principio, un volver a reunir el arte con su verdad natural, pero por otro lado, contribuye al deslizamiento del arte a su fin, a su subordinación al mito. El momento de autoconsciencia del arte, de vocación objetivadora autoconsciente, tenderá a diluirse: hoy, en el embeleso pasivo del continuum de la imagen técnica.

En fin, tocamos aquí un regreso del círculo del arte, y cuestionamos su progreso técnico, de maneras artísticas, del que se toma conciencia en el romanticismo; que supone un asumir de algo original desde la esencia del arte (desde Platón lo hemos seguido, en relación con la idea y la función del arte), pero que deriva, quizá, hacia su propia consunción; como se manifiesta en nuestros días. El cambio se devora a sí mismo, y vuelve al seno indeferenciado del mito y del sueño, pero ahora, en este modo, con pérdida de lo alcanzado en la Modernidad: la autoconciencia reflexiva del arte.

Fulgencio Martínez

Vida

2011-11-29T09:00:00.000+01:00

siga ade lante dos

calles más un bule

var con tris tes árbo

les gire a la izquierda

feria de vanida

des y pla za sin fuen

te ni luz luego al po

co pare verá que

todo está vacío

y yermo pero no

se extrañe es ahí

por ahí se fue su

vida

Fernando Soriano Bensusan

El libro de los susurros, de Varujan Vosganian, éxito de crítica en España

2011-11-28T09:00:00.000+01:00

Traducida al español por Joaquín Garrigós, se encuentra en las librerías una de las mejores novelas europeas contemporáneas. Escrita en rumano por Varujan Vosganian - poeta, político y escritor de origen armenio- la obra narra la epopeya de un pueblo que sobrevivió a los avatares del siglo XX. Cartea soaptelor es su título original en rumano (Libro de los susurros, en español).

Nos alegramos del éxito del libro entre la crítica española; por sus indudables méritos literarios, y por ser, también, un libro esperanzado, en estos tiempos de crisis: un ejemplo valiosísimo de cómo un pueblo ha mantenido sus propias señas de identidad sin recurrir al odio y al terror.

¿Podría escribirse en el futuro un libro así en Euskadi?

Como muestra de las críticas recibidas a la novela de Varujan Vosganian (que fue portada del número 20 de Ágora papeles de arte gramático, verano 2010), citamos parte de la publicada por “El País”, que podéis consultar en este ENLACE:

El libro de los susurros (Pre-Textos), de Varujan Vosganian (Traducción de Joaquín Garrigós). Me remito a un pasaje de la crítica, de María José Obiol, que dimos en Babelia (...) : "Varujan Vosganian, de origen armenio, era un niño cuando comenzó a escuchar historias.(...) En este libro estremecedor e imprescindible sabemos que los armenios se reconocen porque lloran a los mismos muertos, que algunos se reconcilian en la vejez y que las partidas de cartas son como nuevos tratados de Postdam. Ellos son quienes hablan de lo difícil que es morir donde uno ha nacido. Resulta fascinante la belleza de las historias, aunque encierren momentos y escenarios terribles. ¡Qué exquisita urdimbre tejida de placidez y desasosiego! Y el círculo que nunca se cierra de separaciones y reencuentros. Y desaparecidos. Narración con vocación memorística, homenaje a los protagonistas de las sucesivas diásporas. Documento conmovedor, novela que es Historia".

Hasta el 31 de diciembre hay de plazo para presentar libros de poesía publicados en 2011

2011-11-27T09:00:00.002+01:00

Hasta el próximo 31 de diciembre de 2011 está abierto el plazo que autores y/ o editoriales nos envíen sus libros impresos, además de el pdf del mismo, quienes quieran participar en los I Premios literarios de la Revista Ágora papeles de arte gramático- Andrés Salom, en la categoría E de crítica al mejor libro de poesía del año.

Los ejemplares impresos deben enviarse a una de estas direcciones:

Ágora, papeles de arte gramático
c/ Río Chícamo, 10
30507 La Alcayna- Molina de Segura (Murcia)

Ágora, papeles de arte gramático
c/Santiago, 1. 1ª Esc. 4º F
30820 Alcantarilla (Murcia)

El pdf del libro se hará llegar a la dirección de correo electrónico de la revista Ágora: agora@emurcia.com, especificando en Asunto: Premios literarios Andrés Salón, Categoría E.

XXV Premio “Voces Nuevas” de Poesía (2012)

2011-11-26T08:00:00.001+01:00

1º. Podrán concurrir al mismo poetisas de cualquier nacionalidad, inéditas en libro, que sean suscriptoras de la “Colección Torremozas” o de “La Divina Tula” antes del 28 de febrero de 2012, con poemas escritos en lengua castellana no premiados anteriormente en ningún otro concurso.

2º. Los poemas, con libertad de tema y forma, deberán ser inéditos en su totalidad. Cada concursante enviará diez poemas.

3º. Se presentará un solo ejemplar de cada uno, impresos por una sola cara.

4º. Los poemas presentados deberán ir firmados por sus autoras, haciendo constar su domicilio y teléfono y una breve reseña biográfica.

5º. El envío se hará llegar a Ediciones Torremozas, Apartado 19032, 28080 Madrid, España, indicando en el sobre “Para el Premio Voces Nuevas”. El plazo de admisión quedará cerrado el 28 de Febrero de 2012.

6º. Con los poemas seleccionados se publicará, bajo el título de “Voces Nuevas”, un volumen de la Colección Torremozas.

7º. El fallo se dará a conocer durante el mes de marzo y será inapelable.

8º. La presentación al Premio "Voces Nuevas" implica la total aceptación de sus bases, cuya interpretación, incluso la facultad de dejarlo desierto, quedará a juicio de la editorial.

Más información AQUÍ.

Cuando la leyenda permanece viva

2011-11-25T09:00:00.002+01:00

Montse de Paz
El heredero del Clan
Espasa libros, 2011

Hace muchos, muchos años que tuve el sorprendente placer de conocer a Montse y de leer un primer borrador de aventuras que corrían por parajes semejantes a los que nos deleita en la presente novela. Nuestros ordenadores, como cóncavas naves surcando los procelosos y enigmáticos océanos del Internet, nos llevaron a un puerto común, y desde entonces he sido casi un escriba de sus éxitos literarios, de su inconfundible estela de éxito hasta llevarla al Premio Minotauro, pero, más aún que eso, he tenido el honor de ser uno de los receptores de sus novelas, de sus cuentos, de sus relatos, de sus aventuras literarias en revistas...

Tal vez por ello, cuando conocí a Harald, Randver y Egill- personajes principales de la novela que nos ocupa- supe que estaba ante una cultura conocida. Incluso la anciana y enigmática Birna me pareció una vieja amiga, aunque tal vez nunca antes la hubiese visto. Todos viven en Sunnskate, o en sus alrededores, pueblo de diferentes clanes, gobernado por Jorund, quien no puede evitar que aquellos conspiren para quitarle el poder, algo, por cierto, nada nuevo bajo el sol.

Harald, Randver y Egill son tres jóvenes llenos de sueños y de vida, pero su propia procedencia, a pesar de su gran amistad, hace que sus ilusiones sean diferentes. Randver aspira a ser el jefe de Sunnskate tras quien sustituya a Jorund, y su ambición parece desmedida. Egill sueña con encontrar nuevas posibilidades al otro lado del mar, y Harald parece, en principio, conformarse con ser el hombre de un clan donde sólo hay mujeres: su madre y sus hermanas... y poder formar un hogar cálido y amplio, restaurando su clan, junto a Inge, algo hasta cierto punto imposible por la enemistad de sus respectivas familias.

Sunnskate, está anclada en ancestrales tradiciones, y una de ellas fijaba que las astas de un ciervo macho eran un presente reservado para los jefes del pueblo. Por ello, la decisión que los tres jóvenes tomaron en aquella temprana cacería marcaría sus vidas futuras, aunque ellos, y sobre todo Harald, en aquel momento ni lo sospechaba.

Pocos días después, cuando el viento barría la cima sobre la boca del fiordo, los tres amigos tomaron otra decisión que marcaría definitivamente sus vidas: Randver les sacó la promesa de que le apoyarían para ser el el jefe de Sunnskate tras el que sucediera a Jorund.

Montse de Paz nos sorprenderá con una aventura que nos llevará, a lo largo de quinientas páginas, hacia mundos vírgenes, hacia paisajes interminables, donde la amistad, el amor, el odio, las envidias, la codicia, la traición, pero también la honestidad y la nobleza nos traerán ecos de las antiguas leyendas que aún viven entre las piedras y entre los árboles escandinavos.

Cuando hace un par de semanas cerré el libro no pude evitar sentir añoranza y, eso, para quien ya empieza a sentir que ha leído demasiado, es para agradecerle a la autora que le haya liberado del monetarista mundo real que nos está tocando vivir. Necesitamos héroes como los creados por Montse de Paz- que seguro tienen mucho de ella- capaces de desear algo y llegar a hacerlo realidad.

Francisco Javier Illán Vivas

Finalistas del Premio Andrés Salom en categoría de Ensayo

2011-11-24T17:00:00.001+01:00

El jurado de los I premios Andrés Salom- Ágora papeles de arte gramático, ya han decidido los ensayos finalistas en la categoría D:

1. A propósito de Cuadernos. de José María Millares Sall. Por Coriolano González (Ágora 21).
2. Que no haya mensajes a la deriva. José María Piñero (Ágora 22).
3. María Wonenburger. Pilar Rego (Ágora 23).
4. El modo poético de habitar. de Rubén Muñoz Martínez (Ágora 23).
5. Cuento de hadas y des-encantos de sabios. Eduardo Segura Fernández (Ágora 24)

Las siguientes categorías las iremos publicando en sucesivos días.

Presentación de El verano que nos comimos la luna, de Marisa López Soria

2011-11-24T13:00:00.000+01:00

Marisa López Soria presenta su libro más reciente, "El verano que nos comimos la luna", en el Centro Cultural Las Claras, de Murcia, el viernes 25 de noviembre, a partir de las 19,30 horas.

Estará acompañada por Antonio Albertus y por Moisés Yagües, autor de las ilustraciones de libro.

Finalistas del Premio Andrés Salom en categoría de Relato

2011-11-24T09:00:00.002+01:00

El jurado de los I premios Andrés Salom- Ágora papeles de arte gramático, ya han decidido los relatos finalistas en la categoría C:

1. El árbol de Don Deogracias. Venancio Iglesias (Ágora 21).
2. Los relámpagos. Pepe Pereza (Ágora 22)
3. Pájaros negros en una antena para móviles de última generación. Salvador Blanco Luque (Ágora 24).

Las siguientes categorías las iremos publicando en sucesivos días.

Finalistas del Premio Andrés Salom en categoría de Poesía

2011-11-23T18:00:00.006+01:00

El jurado de los I premios Andrés Salom- Ágora papeles de arte gramático, ya han decidido los poemas finalistas en la categoría B:

1. Les Nimphéas. José Ángel Cilleruelo. (Ágora 21)
2. Templos de agua. Katy Parra. (Ágora 21)
3 Una noche en la ópera. Enrique Gracia Trinidad (Ágora 21)
4 Calle Caronte. Enrique Gracia Trinidad (Ágora 21)
5 Desde la cubierta. Juan Manuel Jurado Moreno (Ágora 21)
6 El salvador. Lefteris Poúlios, en traducción del griego de Bartolomé Fuentes (Ágora, 22).
7. Materia elemental. Vicente García Hernández. (Ágora 22)
8. Díptico de Nueva York. Toni Quero. (Ágora 22)
9. Ella, luz. José Luis Zerón Huguet (Ágora 22)
10. Retrato en sepia. Alberto Infante (Ágora 23)
11. No hay Godot en Beckett. Alberto Infante (Ágora 23)
12. Una música para septiembre. Eduardo López Pascual (Ágora 23)
13. Mi iglesia. Ana Patricia Moya. (Ágora 23)
14. Nana. Antonio García Soler. (Ágora 20)
15. Elijo ser. José Rivera Guadarrama (Ágora 25)

Las siguientes categorías las iremos publicando en sucesivos días.

XYZ

2011-11-23T09:00:00.001+01:00

Inútil empujar un giro más

en busca de interiores;

alargar el dominio,

remover el círculo no cerrado;

éste es el espacio contenido;

sólo rueda hacia ti

el punto que limita la mirada.

Aítor Francos

Soliloquio

2011-11-22T09:00:00.002+01:00

Se gasta el agua de las ingles

atormentada en piedra

que se parte dulcísima en fragmentos

Nace un sonido libido en la atmosfera

que arranca el tuétano de la memoria

en prontitud de púrpura

El paisaje es danza de venado que aparea en soliloquio

Las moscas se entretienen en el aire –fugacidad de muerte-

en generosa vacilación de alas

con mieles esparcidas

por rotunda congregación de ritmos

El estallido busca la explanada para morirse en líquido

El rostro de los mil rostros que me ejercen

es una pausa brusca del instante

con poemas de júbilo en los labios

Marina Centeno

La neurosis de un Borges póstumo

2011-11-21T09:00:00.002+01:00

Juan G. había tomado una decisión. Juntaba, desde unos meses atrás, algo de plata con el propósito de huir, en las vacaciones de primavera, a alguna playa del sur. Las aguas azules, el lomo del mar como recién lavado, le curarían, tal vez, de la culpa de no ser feliz.

En carne propia, lector, he conocido yo un estado semejante, que me resulta, a pesar de todo, tan difícil de describir. Es un estado de neurosis que me susurra cuando estoy imaginando a Juan una tarde cualquiera de otoño, entre los muebles fatigados de su estudio, suburbial, económico –a sólo una hora del centro… (“imaginando”, he escrito tramposamente, pero imaginar no quiero que imagines, lector; otro día vienes por aquí y te lo presento, a Juan G); ¿continuamos?... ¿no continuamos?... ¿Que por qué no quiero que imagines, ni imaginar yo a Juan? “Tiene gracia que un escritor…” ¿Por qué, por qué?

a) porque no quiero que tengas experiencias de segunda mano, ni escribo para llenar tu cabeza de otro porrón de imágenes - para eso están los que venden publicidad y libros como gorros de dormir.

b) porque me da la gana.

Y c) porque quien quiere ahorrarse encontrar por sí mismo ha de saber que para comprenderse y comprender a los otros hombres basta abrir la nariz, y el que no lleve la nariz centrada, que abandone el barco, no digo más.

Volviendo al caso de Juan: es indiferente suponerle una fisonomía concreta punto Juan no va por ahí con un espejo en la mano, para reconocerse internamente punto tampoco un pasado, ni un proyecto, si no es sobrevivir, alcanzar la ola cada vez más alta del presente, prueba olímpica en este tiempo-basura que nos reserva el papel de actores pasivos en la compañía mundial de los “artistas de Dionisos”: Dinero y Poder, Ambición, Codicia, Glo, Glo, Glo, Glotonería Globalidad y Trivialidad e Inconsciencia. ¿Pero quién no paga sus facturas a principios de mes? “¿Qué puedo pensar?, ¿Cómo quiero actuar?, ¿Qué debo, legítimamente, pagarles a ustedes?”. Conocer las variables respuestas que se da Juan a esas preguntas, sería necesario para imaginar a Juan como sujeto. Levantemos el trapo, con dos pares de cuernos. Porque a) vos, lector, sós cómplice; b) porque el tiempo del relato es una ficción y convenimos que ha muerto; c) porque no dirías: el tiempo del relato “era” una ficción, pues afirmarías lo contrario de donde partimos, y me llevaría infinito tiempo convencerte de por qué es así.

¡Por qué es así! Supones que yo deba satisfacer tu curiosidad gnoseológica…, espero que no supongas, también, que debo entretenerte…, si te he llamado “cómplice”, lo retiro.

(Rescribiendo) a) porque vos, lector, sós nada; b) porque el Juan real que vive y trabaja y sueña con unas vacaciones en el mar es el mismo Juan que vive y trabaja y sueña con unas vacaciones en el mar, siempre; c) porque puedes inventarte, si gustas, una aventura, y falsearlo: decir “era” pero “ahora es” o “está para ser”; y escribirle, tú -si gustas de esa micología completamente alucinante- un relato, con peripecia, interna incluso; con un tiempo, incluso, extendido entre el “era”, el “es ahora” y el “está para ser”, y, aún más -si gustas, digo- escribe tú, lector, la Babel.

Yo, la decisión firme de no alejarme nunca del Juan real.

Fulgencio Martínez

Presentado La suma y la resta, de Irene Jiménez

2011-11-19T18:00:00.002+01:00

Pascual García y Lola López Mondejar presentaron "La suma y la resta", de Irene Jiménez, en el Museo Ramón Gaya de Murcia.

La imagen es de Carlos Trenor.

La nostalgia como memoria

2011-11-18T09:00:00.003+01:00

Juan Luis Panero
La memoria y la muerte
Ediciones Vitruvio
Madrid, 2009

La memoria y la muerte es una antología de la poesía publicada por Juan Luis Panero hasta el 2009, en concreto incluye poemas de sus libros “A través del tiempo” (1968), “Los trucos de la muerte” (1975), “Desapariciones y fracasos” (1978), “Antes de que llegue la noche” (1985), “Galería de fantasmas” (1988), “Los viajes sin fin” (1993) y “Enigmas y despedidas” (1999), lo cual nos desvela que estamos ante un poeta que no publica mucho, y que servirá al lector para conocerle un poco más o, si así es el caso, descubrirle.

Echo en falta quien es el autor o autora de la antología, publicada dentro de la prestigiosa colección Baños del Carmen de Ediciones Vitruvio, tal vez para tener la “certidumbre de lo efímero”, en este vagón de muerte que es la vida, pues ya nos lo avisa el poeta “vivir es ver morir, envejecer es eso”, y la melancolía es un sello que marca la creación poética de Panero.

No es este libro una galería de fantasmas, sino más bien fotografías en palabras de su memoria, de los lugares en los que ha existido, de las personas a las que ha vivido, rodeada de melancolía, sí, aunque él, aunque nos lo diga, no “dialoga con la muerte”, por que “no son llantos ni pésames los que me llegan/ sino tus carcajadas, las risas de otro tiempo.”

Un tiempo siempre presente, bien como cárcel, bien como tachaduras en su agenda, “Una voz repite pensamientos de un muerto/ -pero, quién está vivo, quién muerto-, tenaz/ rasguea el lápiz sobre el mudo papel,/ en la noche sin fin, aún llegan las palabras.”

Juan Luis Panero es ya, para quien esto escribe, una voz imprescindible, un eco inolvidable, un canto a la vida, aunque sea con ecos de nostalgia.

Francisco Javier Illán Vivas

La tierra

2011-11-17T09:00:00.002+01:00

Un dios bajo la tierra que cavaban,

sobre los árboles, en las albercas

sin agua, bajo el sol de agosto, exhaustos,

en las piedras, en los árboles mustios,

en el alma del camino que hacían

a pie cada mañana, con la azada

al hombro y la merienda

del hambre. Un dios en la fatiga diaria,

en la hoz con que segaban las mieses,

en la vara larga para la oliva

o para la almendra. Un dios sudoroso

bajo la tierra que ellos adoraban,

los hombres del crepúsculo y del alba,

montados en las mulas, engañados,

de regreso a la cena

y al dios de la familia.

Sembraban las patatas en los sueños

y eran altos los maizales, enhiestas

las espigas del trigo,

en su sazón las frutas y sin mancha,

y las vides daban vino en otoño.

Luego el trabajo arduo del aceite,

llenas las zafras del dios de diciembre,

como un milagro de sus manos duras.

Volvían fatigados cada noche,

montados en las mulas, soñolientos,

de regreso a la cena

y al dios de la familia.

Pascual García

Dosis de valor

2011-11-16T09:00:00.001+01:00

Una buena dosis de valor

al principio de este año errante

entre los años del destierro,

amenazante con sus meses

arrancados de la liturgia

de la nomenclatura pagana.

Quizás sobrevivamos, quizás

llevemos a término los días,

o quizás tampoco alcancemos

a trepar los últimos peldaños,

y quedemos a medio camino

entre el impulso de la voluntad

y los prerrequisitos del salto,

poblados de ojos venenosos

y cláusulas irreductibles.

Pero empezar, en fin, armarnos

de valor en el lecho conyugal,

y ejecutar el primer paso

burlando las orientaciones,

apretando en la mano derecha

el amuleto de los augures,

y con la izquierda bajar los párpados

y cruzar el túnel sollozando.

Quizás sobrevivamos, quizás

tengan piedad los dioses ceñudos,

y en el curso de los litigios

equivoquen los distractores

su oficio de malos designios,

de modo tal que en el aire

quede la segur suspendida

sobre nuestras nobles cabezas,

y marchemos a paso lento

con nuestro destino humano

por entre lobos y mastines.

Ulises Varsovia

Creación

2011-11-15T09:00:00.000+01:00

La noche caía como un vuelo silencioso de miles de insectos negros y hambrientos. Él miraba al horizonte sin ver. Sintió por primera vez que su pasado ya no le pertenecía; acaso nosotros pertenecemos a él, razonaba incrédulo de todo. Y dedujo que el tiempo y la soledad eran una misma mentira descolorida por las lluvias de la memoria. Cerró la puerta de su antigua casa y caminó adentrándose en la Nada del bosque. Caminó eternamente con un paso lento y sin rumbo. Era como si el fin del mundo se abriese a cada uno de sus torpes e inseguros pasos. Intentó recordar qué había ocurrido una hora antes. Había esbozado un punto y final sobre la última página. Fue una especie de iluminación que daba sentido a todo.

Treinta años antes había sentido la llamada de la vida. Recordaba la mudanza a la casa del lago y el comienzo de la que sería su primera y última novela. Empezó como un remedio contra la melancolía. ¿Qué añoraba si nada existía? Pero a medida que iba escribiéndola se daba cuenta de que algo vivía en ella. En algún momento intuyó que era el principio de algo; algo que acabaría en el último atardecer de los días.

En el primer capítulo se agregó el comienzo del cosmos. Vio una masa informe de oscuridades que se iban forjando en galaxias y momentos primigenios. Escribió los primeros nombres de las cosas y dejó claro que eran cosas que no habían sido nombradas antes. Hizo algunos borradores hasta que erigió una forma de vida probable. Apareció la luz y pudo dormir esa noche, satisfecho de que el Universo estaba ahí. Tomó un vaso de leche, miró a través de la ventana y la soledad del mundo se reflejó en sus pupilas. Luego el sueño lo venció.

Cuando despertó a la mañana siguiente se engañó creyendo que acababa de llegar a la casa, de que el día anterior era el primero que escribía. Miró las miles de hojas esparcidas sobre su escritorio no sin sorpresa. Delataban horas de trabajo, horas que se escondían sin tiempo en su olvido. Fue entonces cuando advirtió que el tiempo se había creado sin ser él consciente. Se sentó y leyó algunas notas: una mujer pelirroja que nacía y se formaba junto a un manzano viejo y una serpiente oscura sin forma.

La piel blanca de la chica era como la nieve y recorría las páginas de forma infinita y extraña. Quiso besarla pero sólo eran papeles. Creyó estar loco pero reconocía la forma de su cuerpo desnudo y presintió en su oído una voz de vientos claros y frágiles. Ella estaba ahí de algún modo.

Los sonidos de papel siguieron toda la noche. Crujidos, rumores. Hasta el alba. Nadie existía; ni la memoria seguía un plan definido. Todo era… parecía ser lejano. Los sonidos abrumadores se fueron transformando en notas musicales. Primero escasas y sin sentido.

Luego abigarradas y acompasadas. Sonó primero un viento de trompeta y luego una gran orquesta dibujó la primera canción de la creación. Sonrió levemente y cayó en el sillón satisfecho y rendido.

La joven de pelo rojo y piel blanca envejecía y volvía rejuvenecer en cada página. Se multiplicaba en miles y miles de hembras; algunas muy parecidas pero siempre otras. Y fue en ese momento cuando su pluma sintió la soledad de ella. Y dibujó un ser semejante. Quizá algo más tosco y rudimentario pero bastante similar a la joven. Como un manantial que cayera desde la montaña juntaron sus cuerpos en la tibia noche sin estrellas y se precipitaron a ser un solo cuerpo. Se buscaban al alba como vientos sin lógica. Miró este último relato y le gustó. Así que pobló las siguiente páginas de cuerpos hermanos y afines. Continuaron entrelazándose como raíces profundas que flotasen en la nada. No podía vigilar sus páginas a cada momento. Dormía y al despertar se maravillaba y extrañaba de su propia novela. Ésta variaba incesantemente.

Tomó un descanso. Salió de la casa camino del bosque. Al pasar frente al espejo de la entrada no se percató de que éste sólo le devolvió una sombra borrosa.

Las oscuridades del bosque eran antiguas como él mismo. No tuvo miedo y quiso ir a la ciudad. Intentó atravesar el bosque pero la noche se cernía sobre él. Cuando por fin encontró un camino bastante largo que parecía seguro lo siguió sin titubear. Vio la ciudad que se levantaba frente a él como una muralla de espejos grisáceos y excéntricos. Llegó a la ciudad: estaba vacía. Las calles estaban desiertas y ni una luz delataba la presencia de vida humana. Comprendió y volvió a la cabaña. Vislumbró que el tiempo era distinto. Que su tiempo no correspondía al de los demás. No, no comprendió. Recordó. Sí, recordó. Buscó en su vetusta memoria de artesano y casi se vuelve loco al desentrañar el misterio que era su existencia. Llegó a la cabaña y continúo con su obra en silencio. Dibujo edificios a los bordes de las páginas donde los hombres y las mujeres se esparcían como líneas de un alfabeto enloquecido. A cada página ocurrían más cosas. Si en la página doscientos había una decena de hombres alrededor de un fuego, en la doscientos tres, miles de mujeres y hombres se apresuraban a escalar una montaña, amueblar una casa o a bañarse en una playa con nombre.

Recobró la memoria y visitó las primeras páginas. No eran las mismas que él había empezado. Sombras del bosque se habían colado de alguna manera en su obra. No pudo desecharlas. Cualquier intento de aniquilar parte de todo aquello podía acabar con la obra completa. Unas cuantas veces hizo la prueba con un borrador pero la tinta se esparcía retomando su forma y creando un huracán entre las páginas. Algunas hojas se perdieron. Aunque algún hombre haya existido en ellas no podrá ser recordado.

Peor fue aquella noche. Durmió profundamente y la dama de cabellera rojiza se le apareció. Existo, le dijo mirándolo a los ojos y sin mover los labios. Él, incluso en sueños, era consciente de lo irreal de esta mujer. Despertó sin poder olvidar su mirada triste y azul. Sintió lo que días antes había dibujado en su novela: un corazón, el amor triste de los hombres.

Después de desayunar el sentimiento de tristeza ya se le había pasado. Pero no el recuerdo de los ojos azules que él mismo había inventado. Todos estos pensamientos le embargaban cuando volvió a su escritorio. Contempló las páginas y adivinó que ya no necesitaba escribir más. La novela se escribía por sí misma. Cada día ocurría un día en la novela. Su tiempo se había igualado al de su obra. Todo coincidía. Sintió un dolor en el pecho y en el reflejo de una copa vio que sus cabellos eran tan blancos como el papel. Había envejecido. No podría calcular el tiempo que había necesitado para crear todo. Se sintió solo y decidió regresar a la ciudad. Se mezcló entre la gente, compró pan, bebió vino en una taberna y paseó junto a niños en el atardecer de un parque. Soñó por la noche que era humano y lo fue.

La última noche de su vida comprendió que toda su obra era un sueño. El viento, las ciudades, el olor de la madera seca, el miedo, la pintura fresca de algún lienzo, las caras de los niños que susurraban y los cauces de los ríos eran mentira. Las estrellas rojizas, las piedras, los suspiros, los gatos, los libros, la angustia y la tempestad eran sueños. Nada existía salvo en su imaginación. Entendió que él mismo era parte de su propio sueño. Intentó despertar pero fue en vano.

Pedro Pujante

La casa de Bécquer

2011-11-14T09:00:00.001+01:00

En este texto se trata de afrontar la lectura de Bécquer desde una perspectiva lateral, entreabro la puerta de su casa y contemplo el interior, o lo que es lo mismo, la cotidianidad que recoge en sus poemas, centrándome en el espacio que parece va a desplazar la temporalidad.

El tiempo es propiedad de los dioses, mientras que, el espacio, nos aproxima a los hombres. El hombre del XIX concluye la exploración del planeta, se convierte en el habitante de la ciudad, y al mismo tiempo encuentra el paisaje. La Institución Libre de Enseñanza llevará a sus alumnos a la catedral o al campo, y los presenta como si se tratase de libros, cuya lectura es imprescindible para conocer el mundo.

Casa natal de Bécquer en Sevilla, calle conde de Barajas

Cuando Baudelaire pasea por París, sin un propósito determinado, encuentra sobre los adoquines de sus calles el poema en prosa. Entre tanto, Bécquer da con el espacio de la casa donde sitúa unos sentimientos que, hasta sus Rimas, sólo aparecían proyectados sobre una a menudo indefinida naturaleza, ya fuese jardín, bosque, mar, acantilado, arroyo, lluvia o nieve.

El descubrimiento de la casa, como lugar donde reside la independencia y la libertad del hombre del siglo XIX, aparece prefigurado en el capítulo primero, artículo cuarto de la Constitución Política de la Monarquía española, Cádiz, 1812, inspirada en la vecina Francia, dice así: La Nación está obligada a conservar y proteger por leyes sabias y justas la libertad civil, la propiedad y los demás derechos legítimos de todos los individuos que la componen.

La casa, clase media, se constituye como estado de privacidad defendido por ley, de ahí que pase a ser el correlato objetivo del cuerpo humano. Este hecho probablemente no es nuevo, y quizá todo hombre ha sentido que, cuando se cierra la puerta, se establece una diferencia con el resto, en tanto que no es prolongación de nuestro propio estar en el mundo. Si ahora colocamos a un lado los elementos de la casa y a otro las distintas partes que constituyen el cuerpo humano, podríamos establecer que las ventanas y balcones se identifiquen con los ojos, la puerta con la boca, la cocina con el estómago, y así podríamos continuar con estas correspondencias hasta completar los diferentes cuartos y funciones.

Pero, para que se convierta en elemento poético, debe alcanzar la categoría de símbolo y gran parte de este proceso corresponde a Bécquer.

La atención al espacio de Bécquer quizá proviene de la familiaridad con la pintura, su práctica del dibujo, la elección del lugar para obtener la perspectiva adecuada, el encuentro con lo pintoresco, la descripción de los elementos arquitectónicos.

El reconocimiento del espacio como componente sentimental irá paralelo a los movimientos deslocalizadores propios de la sociedad industrial, convulsión a la que España no es del todo ajena, recuérdese también el ferrocarril, naturalmente con el retraso debido.

Madrid no es la gran ciudad que será después, pero quizá es la más grande. Se echa de menos aquello que se ha perdido, y se tiene conciencia de esa desaparición cuando los hábitos en los que hemos sido educados, son sustituidos por otros.

Acudamos a los costumbristas, atentos siempre a los cambios sociológicos, y echemos una mirada al artículo de Larra, “Las casas nuevas”: “Dirigímosnos pues a ver las casas nuevas; esas que surgen de la noche a la mañana por todas las calles de Madrid; esas que tienen más balcones que ladrillos y más pisos que balcones; esas por medio de las cuales se agrupa la población de esta coronada villa, se apiña, se sobrepone y se aleja de Madrid, no por las puertas, sino por arriba, como se marcha el chocolate de una chocolatera olvidada sobre las brasas. La población que se va colocando sobre los límites que encerraron a nuestros abuelos, me hace el efecto del helado que se eleva fuera de la copa de los sorbetes. El caso es el mismo: la copa es pequeña y el contenido mucho”.

El protagonismo de la casa es paralelo al que la ciudad va a alcanzar en ese tiempo. La calle y la plaza pasan a ser la expresión del sentir popular, así se manifiesta en las turbulencias sociales y políticas que tanto abundan en el XIX y que, de la mano de Haussmann, llevarán a plantear una transformación definitiva en la ciudad modelo por excelencia, que es París, tras la eliminación de calles estrechas, barrios faltos de higiene y de luz. Reforma con función policial que facilitará el mantenimiento del orden público.

Con Galdós recorreremos ese Madrid del XIX, sus calles, sus tiendas, en el interior de sus casas abundarán salones y cocinas. A menudo se ofrecen con el marco ovalado que semeja esas ventanas, que dieron luz a lo que fueron oscuras escaleras, y aparecen las distintas clases sociales que, en diferentes niveles, conviven como vecinos. Sabremos de los acontecimientos históricos por lo que pasa en la calle.

Cuando aún no ha comenzado el siglo XX, se escribe Granada la bella, obra de Ángel Ganivet, quizá uno de los primeros tratados de urbanismo español.

El espacio doméstico ciudadano proporciona una intimidad, en la que hemos de bajar el tono de voz que antes, en el espacio rural, exigía el grito; esta nueva manera queda claramente expuesta en el poema prólogo, I (11), con el que se abre el Libro de los Gorriones, de Bécquer: “Pero en vano es luchar; que no hay cifra/ capaz de encerrarle, y apenas ¡oh hermosa!/ si teniendo en mis manos las tuyas/ podría al oído, cantártelo a solas”.

La distancia corta que exige el diálogo, aquí enfatizada porque son amantes, marcará el tono de todo el poemario. Se trata de un diálogo secreto, apenas susurro, que sucede en la intimidad, diálogo que exige la presencia y el presente de los interlocutores, lo que contribuye a esa impresión de instante que observamos en sus versos.

Recordemos la rima VII (13): “Del salón en el ángulo oscuro, / de su dueño tal vez olvidada, / silenciosa y cubierta de polvo, / veíase el arpa”.

Ocurre en ese ángulo del salón donde reposan las cosas olvidadas, podría haber situado el arpa en el desván, pero quizá nos inclinaría a considerarla como trasto inútil, arrumbada en un lugar sin destino. Bécquer en estos primeros versos mantiene una llama de esperanza, que reside en el objeto mismo, ya que si se trata de un instrumento musical, siempre podrá producir esas notas que ahora laten en sus cuerdas. Es curioso que el rincón donde está depositada el arpa sea oscuro, ¿qué significa esta falta de luz? La luz del XVIII se refería al conocimiento, oscuridad era ignorancia, oscurantismo, sin embargo aquí corresponde a un espacio real, cono de sombra semejante al olvido, esa invisibilidad donde la costumbre coloca los objetos de la casa que ya no se usan y los convierte en meras esculturas. Existe una posibilidad en la mano de nieve, mano femenina, capaz de despertar aquellos sentimientos que la rutina mantiene adormecidos.

Los ojos, metonimia por la amada, que descubre en todo lo que ve, también están presentes en la alcoba, rima XIV (72): “De mi alcoba en el ángulo los miro/ desasidos fantásticos lucir:/ cuando duermo los siento que se ciernen/de par en par abiertos sobre mí”.

Ocupan ese mismo ángulo de la habitación donde tiene lugar el sueño, también las pesadillas. Permanecen en un rincón de sombra que acentúa su presencia. Representan el enigma que es el otro por quien se siente atraído, aunque desconoce adónde le llevará. La seguridad que produce la casa y el dormitorio como lugar de intimidad, se vuelve vulnerable ahora por la presencia de estos ojos.

En la casa, el jardín es sustituido por la maceta, y éstas ocupan los balcones, que alegran, tanto la calle como la vista del que la contempla, probablemente a través de un espejo espía, o tras las mismas plantas que cuida con sus manos, mientras permanece sentada practicando alguna labor propia de su sexo. La rima XVI (43) da cuenta de ese espacio: “Si al mecer las azules campanillas / de tu balcón/ crees que suspirando pasa el viento/ murmurador, / sabe que oculto entre las verdes hojas/ suspiro yo”.

La voz de la naturaleza en forma de leve brisa que mece las campanillas, presencia minúscula en la maceta, no es sino el testimonio del amante.

La casa del XIX dispone a veces de salón de baile, así se recoge en la rima XVIII (6): “Fatigada del baile, / encendido el color, breve el aliento, / apoyada en mi brazo/ del salón se detuvo en un extremo”

Se trata del mismo salón, quizá del mismo ángulo, ahora extremo, estampa de época en la que la pálida mujer, ya no romántica, muestra ahora sus mejillas encendidas, ¿por qué?, sin duda se debe al ejercicio del baile, pero no descartemos la emoción que le produce su pareja.

Entre las rimas algunas se dedican a la mujer dormida, la rima XXVII (63), canción de alba, contrasta vigilia y sueño, el poema nos sitúa de nuevo en el dormitorio y, mientras ella duerme, él vela, sus últimos versos dicen así: “Sobre el corazón la mano/ he puesto porque no suene/ su latido, y de la noche/ turbe la calma solemne./ De tu balcón las persianas/ cerré ya porque no entre/ el resplandor enojoso/ de la aurora y te despierte./ ¡Duerme!”.

El espacio, ahora, rima XL (66), se convierte en el escenario del desengaño, el paraje, la luna, los olmos, el pórtico nos trasladan a una casa de campo, donde al parecer han residido varias temporadas, probablemente felices, pero ahora rota la armonía, casa frente a rostro, contrasta la serenidad del lugar, a modo de escenario, con la máscara en la que se ha convertido la amada: “¡Discreta y casta luna, / copudos y altos olmos, / paredes de su casa, / umbrales de su pórtico, / callad, y que el secreto/ no salga de vosotros!/ Callad; que por mi parte/ yo lo he olvidado todo:/ y ella…,ella, ¡no hay máscara/ semejante a su rostro!”.

Desengaño que lo arroja a la intemperie, la calle, y convierte a la casa en el muro donde se apoya al conocer la noticia, rima XLII (16): “Cuando me lo contaron sentí el frío/ de una hoja de acero en las entrañas, / me apoye contra el muro, y un instante/ la conciencia perdí de donde estaba”.

De nuevo recuperamos el espacio interior de la casa, y se completa la estampa del vencido, al que el desengaño amoroso sume en la perplejidad y la tristeza, rima XLIII (34):

“Dejé la luz a un lado y en el borde/ de la revuelta cama me senté, / mudo, sombrío, la pupila inmóvil/ clavada en la pared./ ¿Qué tiempo estuve así? No sé: al dejarme/ la embriaguez horrible del dolor, / expiraba la luz y en mis balcones/ reía el sol”.

El paisaje urbano se corresponde con el estado de ánimo, se trata del encuentro con cierto escudo, rima XLV (3), en el que se representa una mano que sostiene un corazón. La visión amarga que resulta de su desengaño, la reconoce en el emblema que la pareja ha descubierto en la plaza, mientras deambulaba por la ciudad: “¡Ay! es verdad lo que me dijo entonces:/ Verdad que el corazón/ lo llevará en la mano…en cualquier parte…/ pero en el pecho no”.

La ciudad hace posible encuentros que, aunque se disfracen de azar o providencia, no son otra cosa que resultado de un cálculo de probabilidades, aquí la ciudad se presenta como el mundo, rima XLIX (14): “Alguna vez la encuentro por el mundo/ y pasa junto a mí,/ y pasa sonriéndose y yo digo/ ¿Cómo puede reír?/ Luego asoma a mi labio otra sonrisa/ máscara del dolor,/ y entonces pienso: -Acaso ella se ríe, / como me río yo”.

El agricultor vive sometido al ritmo estacional, que le permite sembrar, ver crecer, recolectar, atento a la flor que acabará en fruta, al clima y la lluvia. La ciudad, ajena a esta servidumbre, atiende sólo al frío o al calor, que modificará los lugares del paseo y la vesti-menta de los transeúntes, sin embargo, aun están presentes las golondrinas que siempre vuelven, o esas plantas que también anuncian la primavera, y que todos pueden contemplar en los balcones, rima LIII (38): “Volverán las oscuras golondrinas/ en tu balcón sus nidos a colgar, / y otra vez con el ala a sus cristales/ jugando llamarán”.

A continuación relata una escena a la que los pintores de temática académico histórica suelen prestar atención, sin embargo ocurre en una de las piezas de la casa, el dormitorio, donde han desaparecido todos los elementos ornamentales propios de la decoración palaciega, se ha esencializado el momento, rima LXI (45): “Al ver mis horas de fiebre/ e insomnio lentas pasar, / a la orilla de mi lecho, / ¿quién se sentará?”

La ciudad superpoblada se convierte en el lugar de la soledad, los otros no son compañía, sino masa indiferenciada, rima LXV (47): “¿Estaba en un desierto? Aunque a mi oído/ de las turbas llegaba el ronco hervir, / yo era huérfano y pobre…¡El mundo estaba/ desierto…para mí!”

Toda ciudad posee ahora, desde hace unos años, otra paralela, el cementerio, en donde reposan los que se han ido, con un diseño muy semejante al que impera en los años de su construcción. Los enterramientos se alejan del núcleo urbano, proyecto de Carlos III y José Bonaparte que, definitivamente en Madrid, por Real Orden del 28 de agosto de 1850, trasladan a las afueras, de ahí que en este poema, rima LXVII (18) rechace Bécquer la normativa municipal: “En donde esté una piedra solitaria/ sin inscripción alguna, /donde habite el olvido/ allí estará mi tumba”. Repulsión confirmada ampliamente en su libro Desde mi celda, carta III.

La almohada, por sinécdoque, representa el dormitorio, donde suceden los sueños buenos y los malos, rima LXVIII (61): “Noté al incorporarme/ húmeda la almohada/ y por primera vez sentí, al notarlo, / de un amargo placer henchirse el alma”

No podía faltar la presencia del templo gótico, testimonio de época, y esas sensaciones propias de la noche y su soledad, rima LXX (59): “En las noches de invierno, si un medroso/ por la desierta plaza/ se atrevía a cruzar, al divisarme/ el paso aceleraba”

El romancillo de la rima LXXIII (71) relata paso a paso el entierro de una niña y muestra el escenario en el que sucede, la alcoba, la salida de la casa hasta el templo, el toque de Ánimas, las puertas que gimen, el sonido del péndulo, el chisporroteo de los cirios, la piqueta del sepulturero. Datos que acompañan al rito funerario.

La última estrofa de la rima LXXV (23), muestra la alienación a la que aboca la vida en la ciudad, advierte de una situación en la que han desaparecido los vínculos afectivos, en donde el otro depende de los intereses, que conforman su actitud variable: “Yo no sé si ese mundo de visiones/ vive fuera o dentro de nosotros:/ pero sé que conozco a mucha gente/ a quienes no conozco”

(El presente artículo, publicado en el nº 24 de nuestra revista, incluye unas ilustraciones del autor del artículo que podéis ver pinchando AQUÍ).

José Luis Martínez Valero

P.S. Olvidaba decirles que la casa Bécquer se encuentra en Madrid, calle Claudio Coello. En ella una lápida recuerda que: En esta casa murió Gustavo Adolfo Bécquer, el poeta del amor y del dolor.

Presentado Isla Cueva Lobos, de Rosa Cáceres

2011-11-13T09:00:00.001+01:00

El pasado miércoles, 9 de noviembre, se presentó la novela más reciente de la murciana, residente en Orihuela, Rosa Cáceres: Isla Cueva Lobos, evento que estuvo presentado por Santiago Delgado junto a la autora.

Tuvo lugar, como ya os habíamos adelantado, en el Museo Ramón Gaya de la capital murciana.

Reportaje fotográfico de Toñy Riquelme

Rosa Cáceres y Santiago Delgado

Santiago Delgado, al inicio de su intervención

Rosa Cáceres, que leyó varios fragmentos de su novela.

Momento de la firma de ejemplares.

Reportaje en vídeo de Francisco Javier Illán Vivas

Presentación de Hijo de mortales, de Alberto Lauro

2011-11-12T08:00:00.001+01:00

Eduardo López Pascual, presenta, el pasado 4 de noviembre de 2011, en la Facultad de Letras de la Universidad de Murcia- Aula Jorgue Guillén-, en ganador del XVI premio internacional de poesía Luys Santamarina- Ciudad de Cieza, que recayó en Alberto Lauro, con su libro Hijo de mortales.

Pubis Púber: la levedad de los jazmines y de las rosas

2011-11-11T09:00:00.000+01:00

Antonio Soto Alcón
Púbis púber
Pictografía Ediciones
Murcia, 2011

Hace más de una década, en 1999, salió a la luz, publicado por Espartaria, el libro titulado Lolitas. ¿Su autor? Antonio Soto. En las solapas de ese modesto y sobrio volumen, aunque editado con esmero y cariño, aparecía un breve currículum del autor, maestro de escuela y pintor, componentes, se decía, “inseparables de su vida”, nacido en Librilla en 1952. Era su primer libro. Un hijo casi póstumo, pasada ya la juventud, parido en plena madurez intelectual, cuando Antonio Soto había cumplido, con creces, los cuarenta y cinco años de edad. La mejor edad, acaso, para hacer realidad todos nuestros viejos sueños.

La obra, Lolitas, provocó perplejidad y admiración, dos sensaciones mezcladas con una cierta confusión entre sus lectores. ¿Por qué corre tanto riesgo un poeta recién llegado a un poblado Parnaso en el que dormita una infinidad de escritores de verso triste y pluma lenta? El prologuista de entonces, mi querido amigo y excelente crítico y noble filósofo Antonio Ortega, con su tino característico ponía el dedo sobre la llaga, llamándoles a las cosas por sus nombres: estamos “ante un discurso polifónico, disforme, ambiguo y provocador”. Y concluía: “palabras para un nuevo siglo”.

El nuevo siglo, como bien anunciara Antonio Ortega, ha llegado. Y nuestro poeta, Antonio Soto, ha sabido sobrevivir con serenidad a todos sus sobresaltos, a su decadente posmodernidad. Entre medias, es decir, entre el ya celebrado e histórico Lolitas, que aún sigue alojado en la mente de todos los que lo leímos, y la obra que acaba de publicar, Pubis Púber, existen otras cuatro obras de poesía: Todas las mañanas se asoma un ángel a mi ventana, El libro de los espejos, la antología titulada El origen del mundo, aparecida en la prestigiosa editorial Hiperión, y También en primavera mueren los cisnes. Hermosos y sugerentes títulos, como se puede comprobar, en los que se encierran unas no menos hermosas y sutiles composiciones de un pintor que escribe, de un escritor que pinta, asunto este nada baladí pues nunca han estado tan cerca, tan próximos y hermanados, el pincel y la pluma.

Hablemos, pues, de Pubis Púber. Es preciso aludir, en primer lugar, a esa contraportada que lleva la firma de otro poeta, de un hombre sensible y sabio como es Soren Peñalver. Texto breve, pero ejemplar. Una verdadera e inexcusable poética para futuros prologuistas que echan mano, con tanta frecuencia, al tópico pobre y detestable. Las palabras de Soren son pura poesía repleta de elegancia: se busca conscientemente el orden sintáctico a la manera de los hexámetros latinos. Se invoca al vocablo más sonoro. Véase un breve ejemplo: “La vigilia no es nunca de los amantes. Son los pájaros, alegres en sus cantos, los que, de pronto, callan, en el momento de un atardecer o al alba”.

Unas palabras que hacen el honor al libro al que están dirigidas. Pubis Púber no es sino el homenaje, claro y sincero, a los maestros de siempre de Antonio Soto. A esos autores que desde hace décadas le han acompañado hasta convertirlo –quiero imaginármelo– en un hombre feliz con un libro en la mano. Hablo de los maestros del ayer, pero no dejo a un lado a ciertos escritores contemporáneos al propio Antonio, como nuestro común amigo Luis Alberto de Cuenca –el Luis Alberto de poemas en verso para niños perversos, como aquel que dice “Hola, mi amor, yo soy tu lobo…”, que hizo popular cierto cantante hace algunos años. Luis Alberto de Cuenca y también nuestro José María Álvarez. El Álvarez más puro, sórdido y ególatra de Museo de cera.

De entre los antiguos, es decir, los clásicos, podemos citar a algunos de ellos. El Propercio, por ejemplo, que asegura que “de una nimiedad nace una historia desmedida”. El que se dirige a su amada pidiéndole que le parta el corazón o que lo envenene. O aquel otro Propercio, casi desesperado, violento y viril, en cuyos versos reza: “Con que, si persistes en la idea de dormir vestida/ probarás cómo mis manos desgarran tu ropa/. Más aún, si me desborda la ansiedad,/ le enseñarás a tu madre los brazos marcados”.

Antonio Soto, como hizo en su momento el excelso Marcial, se mofa de Juvenio, que se lamenta del paso del tiempo, a la juventud ida, a la tristeza del olvido, y al que se le pide que deje de joder con que el amor es triste. El poeta latino, Marcial, Marco Valerio Marcial, se dirige a Maneya a la que le dice: “Tu perrito, Maneya, te lame la cara y los labios/ no me sorprendo de que a un perro le guste comer mierda”.

Antonio Soto no soporta, de ningún modo, a los pésimos poetas, como Demetrio, quien, además, posee el peor de los defectos: ser una mala persona: “Me han contado que todos temen/ tu lengua envenenada/ cosa que a mí nada me asusta./ Si has de nombrarme/ cuida bien tus palabras,/ no vaya a ser que te quedes sin boca”.

Pero para lengua envenenada, la de nuestro Marcial: “Levinia es casta y no cede a las antiguas sabinas/ Y aunque es ella más seria que su adusto marido/, como una veces se baña en el Lucrino y otras en el Averno, y como a menudo se refocila en las aguas de Bayas, sintió que le prendía el fuego, al irse en pos de un joven abandonando a su marido; llegó una Penélope y se va una Helena”.

Huellas inequívocas del noble Catulo cuando reprocha a su Cintia el ir de boca en boca entre todos los ciudadanos romanos, la muy perversa y mala pécora. Catulo enamorado hasta los tuétanos: “Dame mil besos seguidos de un ciento; luego otros mil, luego un segundo ciento; luego otros mil seguidos, luego un ciento. Después, hechos ya muchísimos miles, revolvámoslos para no saber ni nosotros, ni el malvado que mira acechante, cuántos besos nos dimos”.

Huellas de aquel Mimnermo de Colofón cuando en el poema titulado “Los placeres y los días”, anuncia: “Morirme quisiera cuando ya no me importen/ el furtivo amorío y sus dulces presentes y el lecho/, las seductoras flores que da la juventud/ a hombres y a mujeres…”.

Antonio Soto es un digno continuador de nuestros propios clásicos, como el Arcipreste de Hita, que Dios confunda, y el irritante e irritable Quevedo. Ese Quevedo que se define a sí mismo como “Puto enamorado”, y que, a continuación, en uno de sus más celebrados y festivos sonetos, escribe: “Puto es el hombre que de putas se fía/, y puto el que sus gustos apetece/, puto es el estipendio que se ofrece/ en pago de su puta compañía”.

Y el licenciado y licencioso Arcipreste cuyo hábito eclesiástico y sagrado jamás puso freno a su procaz lujuria: “Cata muger donosa e fermosa e loçana/, que non sea muy luenga, otrosí nin enana;/ si podieres, non quieras amar muger villana,/ ca de amor non sabe e es como bausana”. O lo que es lo mismo, explica el propio Arcipreste de Hita en otro verso más adelante, refiriéndose a la mujer que en verdad nos conviene: “En la cama muy loca, en la casa muy cuerda”.

Antonio Soto ha escrito un libro alegre, divertido y sinvergonzón en el que a las cosas se les llama por su nombre. Y, al mismo tiempo, ha llevado a cabo una obra sugerente, sutil, delicada, repleta de finura e inteligente ironía.

Un libro escrito, en apariencia, con mano suelta, sin atenerse a reglas ni a estilos, pero en el que, sin embargo, fluye el inequívoco deseo de su autor de convertir en arte lo trivial de nuestra existencia, los actos más íntimos y procaces del ser humano. De nuevo, para finalizar, les recuerdo las palabras de Propercio: “De una nimiedad nace una historia desmedida”. La desmedida historia de Pubis Púber, una verdadera joya con la que el lector atento podrá sentir, como la Lumila de uno de sus poemas, la levedad de los jazmines y de las rosas.

José Belmonte Serrano

Amo el abismo que atraviesan...

2011-11-10T09:00:00.001+01:00

Amo el abismo que atraviesan

los renglones en blanco

donde suelo callar lo que te nombra

porque espanta el vocablo

porque duele la coma

en el punto en que cercena su tallo

Amo el verbo que se conjuga al calendario

y arrastra su lápida de mármol:

yo espero

tú esperas

esperamos

Entonces hablo del cansancio

que se derrite a diario entre las manos

Tú dirás Poesía

Yo confesionario

Marina Centeno
Yucatán, México

Presentación de Isla Cueva Lobos, de Rosa Cáceres

2011-11-09T09:00:00.001+01:00

Santiago Delgado presentará, junto a la autora, Rosa Cáceres, la novela Isla Cueva Lobos, ambientada en Mazarrón.

Será en el Museo Ramón Gaya, hoy miércoles 9 de noviembre, a partir de las 20 horas.

Más información AQUÍ.

Poema de Antonio Soto, de su libro Pubis púber

2011-11-08T09:00:00.002+01:00

Todo en ti es milagro:
vulva, labios, flor,...
Beso negro de mi boca,
por ti se cierran los mares
y se desbordan los ríos,
por ti y solo por ti
vivo y muero.
Rincón oscuro de mi alma,
llaga roja de mi sed.

II

Selva oscura de tus labios
donde yo me postro.
Granada abierta, alta hierba de rocío,
tirabuzón de ángel,
yo dormiré sobre tu almohada.
Mullido pubis,
rosa negra de tus ingles.

III

Ah, placeres de la vida,
sed generosos.
Dadme largos días de sol
y de flores.
Haced que el vino rebose
en las copas,
que las noches sean placenteras
junto a su cuerpo,
que mi sueño sea dulce
como lo son sus ojos.

Antonio Soto

IV Premio de relatos históricos de Hislibris

2011-11-07T09:00:00.001+01:00

Como viene siendo habitual por estas fechas, Ediciones Evohé convocan el IV Premio de Relatos Históricos de Hislibris. El final del camino coincidirá con la III entrega de los Premios de literatura histórica Hislibris, tercera semana de abril, durante el cual se harán entrega de diversos premios relacionados con la novela histórica, se realizarán mesas redondas y charlas con editores y escritores del sector y se presentará en sociedad el libro resultante de este certamen.

Bartolomé Muñoz Plessis, del departamento de comunicación de la editorial, nos adjunta las mismo en formato word y pdf por si nuestros lectores están interesados en participar:

Bases IV Concurso de Relatos Históricos.
Foro: IV Concurso de Relatos Históricos.

Principio y fin de la soledad, nuevo libro de Ada Soriano

2011-11-04T09:00:00.001+01:00

Ada Soriano

Principio y fin de la soledad

ed.Cátedra Arzobispo Loazes

Universidad de Alicante, 2011

Ada Soriano Lidón (Orihuela,1963) es poeta y narradora que ha publicado ya una amplia obra, de la que sobresalen títulos, en poesía, como Anúteba, Luna esplendente o sol que no se oculta (traducido al inglés por el hispanista G. Holliday), Alimentando lluvias y Poemas de amor.

Su último libro, Principio y fin de la soledad, consolida la voz de esta poeta que indaga en la profundidad del alma, para entregarnos la palabra exacta y emotiva, cargada de humanidad, con la que poder sentirnos acompañados.

Abre el poemario una cita de las memorias de otro gran indagador de la psique, Carlos Castilla del Pino; cita bien traída por la autora para advertirnos de la ambivalencia existencial en la que se moverá en el libro al enfrentar su leitmotiv: la soledad. “Por una parte, la necesitaba –dice Castilla del Pino- para mi vida oculta… por otra, me cansaba, deseaba salir de ella”.

En ese amor-odio a la soledad indaga la poeta para encontrar no sólo su verdad, sino la verdad humana en la que reconocernos. Vivimos en un mundo alienante, de falsa comunicación; por eso, sólo los auténticos poetas se atreven a presentar enmiendas a la totalidad del mundo. Con serenidad, como si tejiera pacientemente una tela finísima, va Ada Soriano humanizando el vacío que nos esconde el mundo con su apariencia de compañía. La falta de raíces en la naturaleza, en el paisaje, es la primera dirección en que busca. “Cada vez que me acerco / a la amplitud del paisaje/ siento la extraña inquietud/ de todos los atardeceres”, dicen los versos del segundo poema del libro, “En los contornos del silencio”. Paisaje rural próximo a la “ciudad humana”, unas veces; otras, parque urbano, donde la poeta se refugia al atardecer; en poemas posteriores, el paisaje de mar y costa: siempre, en Ada Soriano, el paisaje es la primera respuesta al afán de compañía; pero, para ella son también paisaje, en un sentido amplio, las palabras y la presencia humana. Un poco como Gabriel Miró, la poeta transfigura lo humano y la naturaleza en la emoción del paisaje que, como síntesis o fusión de ambos mundos y de la propia subjetividad, le certifican una primera constancia de realidad, de algo con lo que contar y ante lo que vivir y sentirse. Paisaje humanizado se vuelve también el arte, la pintura, la mecedora, los objetos familiares. Como dice Gregorio Canales, “es admirable la capacidad de Ada Soriano para crear con temas dispares un poemario unitario, sin fisuras”.

Fulgencio Martínez

Cumplimos 25 números, ( y dos años en la red)

2011-11-03T09:00:00.000+01:00

Poemas, relatos, crítica literaria, ensayo breve y artículos, traducciones, collages: la variedad genérica habitual en la revista Ágora dimana de una fuente: el lenguaje creativo. También la pluralidad en los temas y en el enfoque de los mismos hace de nuestra revista -como su nombre indica- un lugar de encuentro y exploración de la realidad desde diferentes sujetos y puntos de vista.

En el número 25, décimo boletín digital, se incluyen poemas de José Luis Martínez Valero, Joaquín Piqueras, Maximiliano Hernández, Antonio García Soler, José Rivera Guadarrama, entre otros poetas que descubrirá el curioso lector. Relatos como el de la escritora Rosa Cáceres (El juglar) junto con otros textos narrativos inéditos y seleccionados entre los enviados al correo de Ágora.

El ensayo está bien representado, en este número, en las dos secciones que atañen a este género: La tela de Penélope, con dos textos, uno de la novelista y psicóloga Lola López Mondejar (De Lolas y Lolitas), que estudia la novela de Nabokov y la relación de sus protagonistas con los estereotipos masculino y femenino; y otro de Fulgencio Martínez, que analiza desde la comunicación el soneto V de Garcilaso (“Escrito está en mi alma vuestro gesto...”) y el libro de Javier Lostalé Tormenta transparente; también la sección Ensayos breves y artículos literarios contiene otro texto del codirector de Ágora, segunda entrega del estudio sobre los orígenes románticos del arte moderno y el papel del arte en la actualidad; así como un artículo de Antonio Rubio, que reflexiona sobre el Mayo del 68, el descrédito de la política y el movimiento de los indignados.

La crítica de libros la escriben nuestros colaboradores y redactores. Siempre buscando un equilibrio entre información y juicio de valor, que procuramos no esté ausente, tratamos en esta sección las novedades literarias que nos van llegando.

En la sección Per-versiones, presentamos poemas de tres autores jóvenes hispanoamericanos, en traducción al rumano por el poeta Daniel Lacatus.

La portada de este número la realiza Rosa Campos Gómez, de la cual recogemos también, en la última sección de la revista (Ut pictura), una muestra de su exposición reciente de textos y collages.

Los codirectores

Ágora digital nº 25 ya disponible para descarga libre

2011-11-02T09:00:00.000+01:00

Ya podéis descargaros el número 25 de Ágora papeles de arte gramático, correspondiente al mes de noviembre de 2011, nuestro boletín digital nº 10, cuando cumplimos dos años en la red.

La portada es de Rosa Campos Gómez, quien ya ha colaborado con nosotros con algunos de sus poemas.

En este número son veinticuatro los autores y autoras que participan, de ellos, siguiendo en nuestra línea de presentar nuevas firmas, trece no han publicado nunca con nosotros: Lola López Mondéjar, Ana Benito, María Jesús Romero Molina, Rodolfo Franco, José Rivera Guadarrama, Rosa Cáceres, Álex José, Rosa Lozano Durán, Lesley Galeote, Juan Manuel Candal, Marianhe Jalil, Beatriz Valerio y Jorge Ángel Luna Rosado.

Podéis descargaros el presente número en dos versiones:
Como revista digital, alojada en Issuu: PINCHA.
Como pdf, alojada en Mediafire: PINCHA.

Que la disfrutéis y esperamos vuestros comentarios en este mismo lugar, en el blog de Ágora papeles de arte gramático.

Con~Clave de voz: I encuentro de poesía combativa, en Cartagena

2011-11-01T08:00:00.000+01:00

Viernes 4 de noviembre, en Sala Rockola, C/ Alfonso X El Sabio, Nº 37, junto a los Juncos. Cartagena. Murcia.

Desde diferentes poéticas, un nutrido grupo de poetas alzan su voz más comprometida contra la injusticia social:

José Daniel Espejo

José Antonio Martínez Muñoz

Cristina Morano

Héctor Castilla

José Óscar López

Juan de Dios García

Alberto Caride

Basilio Pujante

Katy Parra

Joaquín Piqueras

Sergio Gallego

Ángel Paniagua

Inmaculada Pelegrín

Juan Ramón Barat

Jeannine Alcaraz

Antonio Llorente

Antonio Marín Albalate

Fulgencio Martínez

Vicente Velasco

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